Once - Apenas Uma Vez (2006)

 Amo a música. Sem sairmos do lugar, ela consegue levar-nos a lugares onde já estivemos ou que gostaríamos de estar… recorda-nos momentos bons e menos bons, aviva-nos a memória e faz-nos pensar em pessoas, coisas, fragmentos da nossa vida!

"Once-Apenas Uma Vez" é um filme musical e confesso que filmes musicais, associo-os ao recente “Mama mia” realizado com música muito comercial, com letras “cliché”…É dos tais filmes onde se vê claramente que o argumento é “fabricado” para encaixar nas músicas já feitas…roubando genialidade ao filme.

Neste caso, não é essa a ideia que passa. Os belos momentos que a pelicula oferece fazem com que a música abrilhante ainda mais o argumento e se transforme num desenrolar de sentimentos.

Um Rapaz ( Glen Hansard), vive com o seu pai, amarrado a um grande amor do passado… ele em Dublin ela em Londres separados por uma traição! Apesar da distância física, o seu coração traído persiste em continuar amarrado a essa pessoa. Para além de trabalhar na loja de aspiradores com o seu pai, toca musicas originais na rua para ganhar mais uns ”trocos”.

Nessa mesma rua, uma rapariga (Marketa Irglova), vende flores. Vinda da República Checa, vive com a sua mãe e com a sua filha de 3 anos. Também ela com um passado amoroso complicado. Engravidou e casou por obrigação, para cumprir os estereótipos familiar e social. As coisas não funcionaram e veio viver para Dublin, carregando com ela aquele amor passado.

Os 2 personagens começam a aproximarem-se e um aspirador é o mote para começarem a sair :-)… ele sempre com a sua guitarra e ela com o seu gosto por piano, vão-se conhecendo devagar e através de melodias das suas letras, vão metaforizando as suas vidas e vão criando laços muitos fortes. O que convencionalmente se chama de amizade, no filme ultrapassa esse patamar e já se pode chamar de amor…  a música vai aproximando os 2 corações ainda amarrados ao passado!

É daqueles filmes que (como eu gosto) lança perguntas e espalha dúvidas no decorrer e no fim da história. Será que ambos vão conseguir voltar às suas antigas caras-metades? Será que vale a pena? Será que a felicidade de cada um não está na “melodia” que se vive no momento com outra pessoa? Algumas decisões no fim do filme podem levar a responder a estas perguntas… ou não!!

Uma pintora profissional  (N.G. ) disse-me recentemente que… para interpretar uma pintura, devemos abstrair-nos de todas nossas ideias pré-concebidas e criar novas a partir do que vemos… é isso que proponho a quem vir este filme!

Realço ainda os cenários… para além das ruas e ruelas de Dublin, “Once” brinda-nos com paisagens naturais que qualquer camara fotográfica gostaria de captar!

Deixo aqui uma das principais músicas...“Fallinf slowly”! Tanto a música como o poema são magníficos.

Enjoy it!

'15 filmes da minha vida' - Nº1 - As Pontes de Madison County (1995)

As Pontes de Madison County ficaram para sempre imortalizadas pelas fotografias de Robert Kincaid (Clint Eastwood). Uma ponte simboliza uma passagem, uma passagem para mais além. Uma estrutura de união e não de separação. Robert Cincaid vive numa realidade nómada. Francesca (Meryl Streep) enraizou-se na terra, na família. O primeiro sonha com unidade, a segunda, sonha com expansão. Mas ambos querem encontrar-se. Os impulsos ditam o decorrer da acção e já nada será como dantes. Mais tarde, perduram fotografias de pontes, de avanços e recuos, de revelações e cumplicidades. Francesca veio de Itália com idade de novata. Na bagagem, o sonho de conhecer o mundo e o amor. Francesca torna-se Francesca Johnson no Iowa, no centro dos Estados Unidos. O cenário é sereno, a vida passa-se a um ritmo tranquilo. A mulher resgatada em Itália tornou-se na mulher mãe, na cuidadora da família. E isto seria perfeito. Ou talvez não. De alguma forma, ela não consegue negar a voz dos seus sonhos e o apelo do espaço amplo que nela habita. O quotidiano decorre até ao dia em que a paixão e o amor a visitam e despertam todo o seu ser. Robert Kincaid é um solitário. Observa a vida à medida que se move. Pertence a tudo para cada vez pertencer mais a ele próprio. Até ao dia em que não aguenta mais. As visões registadas na sua máquina fotográfica e no seu coração têm que ser partilhadas. Porquê? Não se questionam estes anseios quando aparecem. As emoções tomam conta das pessoas e ditam-lhes a acção. É preciso estar lá, não forçar mas estar disponível. A oportunidade está aí. Perante duas pessoas que fazem vidas diferentes mas que se complementam interiormente. A determinada altura do filme, Robert chega a dizer para Francesca: “Nós já não somos duas pessoas mas uma”. Há no ar um reconhecimento que talvez tudo o que foi feito para trás não tenha sido senão afinal, o pretexto para eles se cruzarem na vida, naquele momento, naquele lugar, naqueles dias. O desejo anda de braço dado com o temor. Somos criaturas de corações divididos. Procuramos estabilidade mas também aventura. Temos medo de nos arrepender mas também de arriscar. E vivemos muitas vezes no limbo, na fronteira. Outras, no melhor de dois mundos. Cada caso é um caso e as pessoas baseiam as suas acções naquilo que acreditam mas também naquilo que podem fazer no momento, na hora H. Este é um filme típico do realizador Clint Eastwood. Os temos escolhidos para os seus filmes retractam montanhas de sentimentos e emoções humanas. Locais altos onde convivem vistas deslumbrantes e abismos tremendos.

O Artista (2011)

O Artista...



Foi o filme que venceu a larga maioria dos Oscars de Hollyood de 2012,inclusivé o de melhor filme, e acho que foi bem entregue.

É um filme que nos consegue fazer regressar aos anos 20 do cinema oferecendo-nos a classe do “black and white”. Um exemplo de um filme, que sem diálogos (ou muito poucos) consegue cativar a nossa atenção e pelo seu conteúdo e primitividade dá cor a toda a história de um excelente argumento.

George Valentin (Jean Dujardin), na ribalta das camaras de cinema, trabalha como ator participando em muitos filmes que fazem dele um homem famoso e muito popular nos finais da segunda década do século passado, contribuindo para que até a sua relação conjugal se deteriore.

Deteriora-se a sua relação matrimonial, mas há uma que nunca se perde… um personagem que, se falasse, merecia o óscar para melhor ator secundário… um cão  é o símbolo do companheirismo, e do exemplo em como o amor que um animal sente pelo dono jamais se perde em qualquer circunstancia e pode levar, como é o caso, a que lhe salve a vida.

No meio das suas milhares de fãs, o destino quer que se cruze, ainda que de uma forma trivial, com a sua fã Peppy Miller (Bérénice Bejo). A intensidade na troca de olhares leva a que esta fã incondicional, fosse à sua procura para o mundo de Hollywood.

A sorte, misturada com a arte de bem dançar, levam a jovem para os camarins dos bastidores das realizações cinematográficas. E é pelas suas belas pernas e pelos seus dotes de dançarina, que George Valentin reencontra Peppy Miller.

Num dos momentos mais chegados, no seu camarim, George faz ver a Miller, de uma forma muda que ela já é linda mas com um pequeno toque – um sinal, o seu rosto pode ficar ainda mais bonito. Este sinal torna-se um “link” entre os dois, ajudando a que eles nunca se esqueçam. Um sinal que ela nunca apaga quando entra num palco.

Mas um volte-face no estilo cinematográfico, leva a que o orgulho de George o comece a afundar. Com o tempo, em cerca de 2 anos, passa de um rico e famoso ator de cinema a um homem triste, pobre abandonado pelo sucesso e agarrado à garrafa do álcool.




Acaba por perder tudo o que tem, exceto o seu grande e fiel amigo cão e leiloa todos os seus bens para poder sobreviver. Um pequeno leilão, onde estranhamente, todas as suas peças são compradas apenas por um homem.

Amargurado, angustiado enquanto revê as suas peliculas na sua pobre casa, um momento de ira leva a que as comece a destruir e lhes deite fogo, incendiando também a casa. Vendo o dono correr perigo o seu único e fiel amigo vai em busca de socorro e conseguem salva-lo. A ele e a uma pelicula que ele não queimou e não a quis largar por nada.

Sabendo da notícia, Miller leva-o para sua casa e este agradece… o seu orgulho leva-o a não aceitar propostas de Miller para participar em novos filmes do género que ele recusou contracenar. E acaba por se rever no papel da sua antiga mulher: abandonado por outra pessoa que bajulada pela fama não lhe dá a atenção que ele desejava.

O filme dá voltas e mais voltas, são postos de parte orgulhos e preconceitos e no final Miller e George acabam por criar eles o seu próprio estilo de atuação… e as 2 estrelas sobem ao palco num estilo muito próprio, pelo qual se reencontraram – a dança.



Vejam que vale a pena.

´15 filmes da minha vida´ - Nº2 - A Vida é Bela (1997)

Podemos escolher a atitude que temos perante a vida? Roberto Benigni afirma definitivamente que sim. Mesmo quando a guerra nos acena, mesmo quando a perversidade nos olha de soslaio. No meio do sujo e do feio é possível preservar o belo. Este filme prova-o. A Vida é Bela é um filme sobre o triunfo do amor. O amor entre homem e mulher, entre pai e filho, entre o ser humano e a vida. Guido Orefice (Benigni), é um incansável optimista, alguém que inspira os que estão disponíveis para amar (e os que estão menos) que se cruzam no seu caminho. Certo dia, Guido espalha-se contra o amor da sua vida: Dora (Nicoletta Braschi), a sua principessa. Guido tem um plano, ser o ator principal num filme de amor, de uma película que se confunda com o dia a dia e que se torne ela mesmo, realidade. O desafio começa, de peripécia em peripécia, de heroísmo em heroísmo. Guido e Dora são felizes juntos, eles passeiam de mão dada, eles dançam à chuva, eles educam um filho. Até que o negro surge no horizonte. Sob a forma de uma farda cinzenta e de um olhar metálico. A ameaça nazi havia chegado à Itália. De um dia para o outro, Guido e Dora veem-se separados pelos alemães. Destinados a morrer, Guido segura-se no seu filho, Giosué Orefice (Giorgio Cantarini), e ao seu… otimismo. Para Guido a vida tem um sentido, voltar a ver Dora, preservar a vida do seu filho e a sua e voltar a respirar sob um céu azul brilhante. Quanto ao sorriso, esse dificilmente desaparecerá. Mesmo estando dentro de um campo de concentração. A esperança de um futuro melhor torna-se no jogo prático do dia a dia. É possível transformar o desespero de estar num campo de concentração numa entretida atividade que envolve sistema de pontuação e prémios? Guido consegue-o pelo filho. É a família que o prende à vida. Ele, o livre espirito. Tal como um dia não deixou de ser determinado quando resgatou a sua principessa das mãos de um incómodo noivo, também agora irá ludibriar e passar a perna a alemães sisudos e mecânicos. A aventura continua. Esta é uma história que me custa acreditar. De tão heróica, de tão bela, de tão perfeita. É muito difícil derrubar monstros. Roberto Benigni fá-lo muito ao seu jeito. Com um entusiasmo e um positivismo que contagia. Talvez dificilmente algo assim se passe na realidade. Mas uma coisa é certa, a atitude depois de ver este filme nunca mais será a mesma.

Num Mundo Melhor (2010)

No meu comentário ao filme “Biutiful”, mencionei que era merecedor do Oscar de Melhor Filme Estrangeiro… e até ao momento era, mas este consegue supera-lo. Acho que foi bem entregue a estatueta.

“Num Mundo Melhor” é um filme passado na Dinamarca onde são cruzadas as vidas de duas crianças em situações delicadas: Elias e Christian. Elias vive um momento de separação dos pais, a ausência do pai, que enquanto médico divide o seu tempo entre a sua família e um campo de refugiados em África. Elias é também vitima de fortes momentos de “bullying” na escola; Christian acaba de perder a mãe e sente-se revoltado com o mundo e especialmente com o pai achando que este tem culpas por ter optado pela eutanásia provocando a morte da mãe que sofria de um cancro já em fase terminal.

Não entendo do assunto mas parece-me que o filme daria um bom “study-case” para uma aula de psicologia infantil. Ajuda a perceber de que forma factores como a família, a amizade, o companheirismo e a noção de justiça podem levar crianças a actos tão atrozes como espancar colegas e explodir veículos como forma de impor essa justiça em prol daqueles que mais gostam.

Os conceitos de “vingança” e “perdão” são muito sublinhados no filme e constituem o seu pano de fundo e a sua essência.



O pai de Elias, enquanto médico num campo de refugiados, vive momentos drásticos, casos de vida e morte, situações de extrema violência e injustiça. Com estas situações aprende que a vingança não é o melhor caminho para se atingir os fins. Ele tenta transmitir este conceito ao filho, mas até que ponto uma criança, no seu mundo, consegue ter a noção dos conceitos de vingança e perdão, conseguindo que o segundo vença o primeiro?

“Num Mundo Melhor” consegue atingir uma pontuação de 7.7 (numa escala de 0 a 10) no site IMDB, o que é um sinal da boa qualidade da película.

'15 filmes da minha vida' - Nº3 - Patch Adams (1998)

Para explicar o porquê de gostar tanto deste filme é necessário dizer que este é muito mais que isso, é uma história verdadeira e que inspira. A lista que estou a construir com 15 dos filmes que mais emocionalmente me marcaram não poderia deixar de contar com uma história que carrega um dos sentimentos que mais gosto de cultivar: o optimismo. Deverei ter visto Patch Adams pela primeira vez há quase 10 anos. Nessa altura fui atingido pela enorme boa vontade, criatividade e boa disposição que o actor Robin Williams emprestou à personagem deste médico que na verdade, existe mesmo. Hunter ‘Patch’ Adams foi um jovem, a quem a vida o empurrou a fazer escolhas de uma vida. Ele fundou um hospital aberto 24 horas por dia e que oferece serviços grátis: o Instituto Gesundheit. Adams é da opinião que o objetivo máximo de um médico não é apenas curar mas, acima de tudo, cuidar.
A história no filme passa-se dentro de um hospital universitário onde Patch Adams tira o curso para se tornar médico. Entre aulas, estudo e a vida entre os seus colegas, cedo se começam a notar as visões e atitudes fora do comum em relação à abordagem que os médicos devem ter perante aqueles que necessitam de cuidado. Durante a prática universitária que inclui a visita regular aos quartos, enfermarias e salas de operações, Adams observa uma relação demasiado distante e desigual entre os tradicionais médicos(as) e enfermeiros(as). Apesar de estas últimas tomarem o seu partido à medida que o tempo passa. Perante isto, o espírito fresco, jovem e optimista de Patch Adams resolve intervir mais de perto e defender os pacientes, aproximando-se deles com o seu sorriso, o seu positivismo e a sua atenção. Mas, considerando formas estar e atitudes tão enraizadas na prática hospitalar, é compreensível que haja quem não partilhe destas inovadoras visões da prática da relação entre o médico e os doentes. Dean Walcott (representado por Bob Gunton), é quem representa esta facção que reprova veemente as práticas de Adams. Este médico reitor faz tudo por sabotar as intenções de Patch Adams. Este responde-lhe com mais e mais humor, amizade e igualdade perante os doentes. Entre as cenas divertidas do filme, há uma que representa bem o ambiente provocatório existente entre os dois. Aquando da organização de uma conferência de ginecologia que deveria ser organizada pelo hospital e também por Patch Adams, o estudante invulgar resolve dar as boas vindas aos médicos ginecologistas de uma forma engraçada e peculiar. À entrada do local reservado para a conferência, Patch instala umas pernas femininas gigantes nas quais a vagina é a porta de entrada do hospital. Escusado seria dizer que Dean Walcott, o reitor, fica fora de si perante isto e que este episódio é a gota de água usada para que Dr. Dean leve em frente a sua intenção de não permitir que Patch se torne médico.
As ideias loucas e os sonhos apaixonados de Patch Adams são partilhados com os seus colegas mais próximos do hospital universitário, Truman (Daniel London), Cari (Monica Potter) e até com o aluno exemplar Mitch (Philip Seymour Hoffman). Mitch representa também no filme a perfeita adaptação de um médico apenas à sua função utilitarista, intelectualmente superior, que no entanto descura os afectos e a proximidade com os doentes. Esta mentalidade é aquela que Patch Adams não defende, procurando para si e para quem o quiser seguir, uma perspectiva mais cuidadora e menos absolutista face à doença e ao sofrimento humano. Uma das frases mais inspiradoras e que mais me comoveram no filme foi proferida quando Patch se defendia perante o tribunal de médicos seniores: “Meus senhores, gostaria de vos dizer que se nós, como médicos, nos focarmos apenas na doença (e obsessão na sua erradicação), ganhamos e perdemos umas vezes. No entanto, se nos focarmos no cuidado da pessoa, garanto-vos que ganhamos sempre!”.
Um filme bonito e inspirador onde o drama e o bom humor estão presentes, fazendo desta uma das melhores histórias contadas no cinema.

Hotel Ruanda (1994)

Por sugestão de um amigo, despendi 121 minutos a ver um filme de 1994 – Hotel Ruanda. Um filme que nos reporta para uma profunda crise social e politica no Ruanda, com devastadoras consequências.

Por herança da anterior gestão belga o país está dividido entre uma minoria, que já está há muito no poder - os Tutsis, e a restante maioria - os Hutus. É assassinado o presidente no governo e os Hutus tentam tomar o poder recorrendo à violência extrema e a extermínios em massa.

Os Tutsis (que eram apelidados de “baratas”), tornaram-se no alvo principal a abater, mas arrastam com eles, milhares de civis que se tornaram vitimas deste brutal genocídio.

Paul Rusesabagina (Don Cheadle) trabalha no hotel Ruanda e mal começa a guerrilha, o director do hotel, sai do país, e delega-lhe gestão do empreendimento. O hotel começa, cada vez mais, a servir de campo de refugiados. Paul, com meios muito reduzidos, tenta proteger centenas de pessoas, mas especialmente a sua mulher e filhos.

Face à falta de recursos, é fraca a figura do Ruanda no painel internacional, o apoio da ONU é mínimo. Todos os brancos são evacuados do país, ficando este completamente entregue aos negros. A corrupção, as “luvas” para todo e qualquer favor. O dinheiro perde o valor e os assaltos proliferam, a destruição é maciça e as mortes incontáveis.

Neste cenário, Paul tem de negociar com “amigos” e inimigos para conseguir salvar a sua família e as centenas que se encontram no hotel Ruanda. É este o argumento do filme! É verdadeiro e baseado em factos reais.

Um filme que vale muito por este cenário (quase real) representativo daquilo que foi um facto atroz em 1994, e a forma como um homem tenta gerir um enorme grupo de refugiados e estabelecer as pontes entre os vários envolvidos na guerrilha: forças de segurança, guerrilheiros, Nações Unidas, Cruz Vermelha, etc.

Destaca-se também o papel da sua mulher Tatiana (Sophie Okonedo), e da passagem muito despercebida do câmara-man Joaquin Phoenix.

Vale a pena ver.

Biutiful (2010)

Barcelona é uma cidade linda, merecedora de ser visitada e revisitada, mas, como todas, tem a sua parte degradante, pobreza e miséria! É nestes meandros que este filme se desenrola. Um homem (Javier Bardam), com um cancro que lhe está a por fim à vida… sabe que não irá durar muito mais, mas não quer acreditar que isso pode ser verdade, e isso incita-o a preocupar-se com aqueles que o rodeiam e os quais ele mais ama – principalmente os seus 2 filhos.

Diz conseguir contactar com mortos que acabam de “partir” e vive num submundo onde trabalhando com comunidades chinesas e senegalesas convive com a contrafacção e a venda clandestina. Assiste, revoltado, à exploração da mão-de-obra, que roça a escravatura e procura ajuda-los, mas o destino trai-o, aumentando as suas angústias e acaba por matar uma comunidade desses chineses.

Detentor da custódia das crianças, em prol de uma mãe ausente, entregue ao álcool, drogas e uma vida boémia. As contingências dessa situação entregam-no mais ao desespero levam-no buscar alguma alegria nas suas crianças.



São estas as circunstâncias do drama que este homem atravessa e que mesmo com a saúde a degradar-se a “passos largos” e morte a querer bater-lhe à porta, tenta a todo o custo resistir a esta dura vida.É apenas uma breve descrição da envolvente do filme que vale pela genuinidade daquilo que são muitas das famílias, não só espanholas, mas de todo o mundo.

O início e o fim do filme são semelhantes… a morte a chamar o personagem principal.
O significado do título do filme – “Biutiful”, é uma cena que remonta para uma parte do filme onde a filha lhe pergunta se a palavra se esta palavra está bem escrita, e ele, na sua ignorância, lhe diz que sim! É esta imperfeição que é mostrada… a palavra é apenas um símbolo do enredo da película.

Também vi o filme “O Discurso do Rei”, e na minha opinião, acho que Javier Bardam esteve melhor na representação que Colin Firth. Ainda não vi o filme vencedor de Melhor Filme Estrangeiro (“In a Better World”), mas a estatueta não era mal entregue ao filme “Biutiful”.

'15 filmes da minha vida' - Nº4 - Buffalo 66 (1998)

O amor vence todos os obstáculos. O amor torna o silêncio em palavra, transforma o frio em calor e abre caminhos onde só havia muros. Em Buffalo 66, Vicent Gallo cria e representa uma personagem que vai passar pela experiência de uma vida.
Billy Brown (Vicent Gallo) é um homem com noção de pragmatismo suficiente para perceber que a vida não lhe irá dar muito mais do que tem. Billy é um ex-condenado que acabou de sair da prisão. No dia da libertação, dá inicio a um plano em que está determinado a exercer vingança sobre o culpado da sua apreensão. Billy Brown vive obcecado com esta ideia e com uma outra: a de continuar a dar uma imagem aos seus próprios pais de que é um homem muito bem sucedido. Com a honra por vingar e uma imagem de bom filho a salvaguardar, há no entanto que satisfazer em primeiro lugar uma necessidade: ir à casa de banho. Nos primeiros minutos do filme, Billy vive torturado com este simples imperativo da natureza, o que transforma toda a cena do rapto de uma bailarina, em algo cómico e peculiar. O ex-condenado é neste momento um homem dominado por uma necessidade fisiológica e pela necessidade de arranjar uma “esposa de aluguer”. Esse alguém é Layla (Christina Ricci), talvez um pouco mais nova do que Billy e que este resgata de uma aula de dança para ser a sua mulher. Pelo menos durante a curta visita que ele deverá fazer aos seus pais em Buffalo, Billy quer dar a entender que é bem casado, que tem um emprego estável e que a sua vida é uma tremenda felicidade. Começa então a cena na casa dos pais.
Todos nós somos muito mais do que aparentamos, temos mais fragilidades do que aquelas que tentamos esconder quando nos relacionamos com os outros e somos muito mais especiais do que aquilo que tentamos, muitas vezes em vão, fazer passar. É um mundo de aparências carregado de um ar de complexo vazio emocional, que se respira na casa dos Brown. Juntamente com Layla, Billy vai despender tempo na casa dos seus pais, a tentar colar peças com cuspo e a procurar memórias antigas. Layla é o elemento novo que ambos os progenitores de Billy, Jimmy (Ben Gazzara) e Jan Brown (Anjelica Huston), adulam de forma quase imediata. Ao filho, cabe-lhe o papel secundário, o que parece ter tido sempre na história daquela casa.
E eis que Billy Brown é agora um homem ex-condenado, desejoso de se vingar e… com um grande dilema. Fragilizado com a cena familiar, Billy depara-se com Layla, que ainda lá está. A sua representação foi óptima junto dos seus pais. Mas agora cada um deles deverá seguir o seu caminho. Na estrada, na cidade e à noite eles são invadidos pelo frio. Layla é a doçura, Billy, a pedra fria. Ali perto, na rua, um cartaz publicitário faz uso de uma frase que diz mais ou menos isto: “Partilhe a sua vida. Partilhe a sua decisão”. Billy Brown contorce-se por dentro com dor. Ele debate-se com os seus demónios e sente-se deprimido. Layla vê o melhor daquele homem e está atraída pela sua sensibilidade, que lateja por debaixo de uma capa escura. O filme segue o seu curso e as próximas cenas são passadas num quarto de hotel, onde Billy e Layla se aproximam e se afastam, à procura de uma intimidade que tanto procuram.
Buffalo 66 é um filme onde não existe fogo de artifício e onde não existem perseguições de carros ou aviões. O grande acontecimento é silencioso, não surge de um PAH! Surge antes da subtileza, da doçura e da sensibilidade que se anunciam e que vão derrubando barreiras. Os soberbos Yes compõem a história e dão voz aos sentimentos. As músicas da banda inglesa escolhidas por Vicent Gallo (que também compõe assina boas músicas para o filme) são ‘Sweetness’ e ‘Heart of Sunrise’. Termino com um excerto de ‘Sweetness’, algo que Billy Brown poderia dizer na parte final da sua história: ‘Ela transmite a doçura – Ela sabe muito bem o que dizer para me fazer tão bem por dentro – e quando eu estou sozinho e sinto que já não tenho que me esconder.’

'15 filmes da minha vida' - Nº01 - Crash - Colisão (2004)

Aquando iniciei esta rubrica de “Os Filmes da Minha Vida” referenciei que todos eles eram separados por ténues fronteiras, podendo todos eles oscilar na sua posição hierárquica.Reforço essa ideia agora que cheguei ao topo da tabela.

Para Nº1 do meu pódio nomeio um grande filme de 2004, realizado por Paul Haggis e no qual parece não haver actor principal. O elenco é de luxo: Desde a Sandra Bullock, a Don Cheadle, passando por Matt Dillon, Sean Cory Cooper , Jennifer Esposito, entre muitos outros, bem conhecidos da 7ª arte. Cada personagem, que cada actor interpreta, tem um papel tão importante no filme, que não podemos chamar os outros de secundários.

O tema do filme é o racismo e a forma como este é visto por determinados segmentos da sociedade. A forma como cada parte vê toda a sociedade e como esta actua perante as restantes “fatias” multiculturais.

O filme é uma caderneta de vários autocolantes que se relacionam todas entre si. É um filme, que para os mais emotivos, facilmente vem a lágrima ao canto do olho.

Será que dizemos realmente o que pensamos em relação às outras classes raciais? Agimos da mesma forma para cada uma? Para além das diferenças físicas, quais as principais diferenças entre elas?

A partir de que ponto somos racistas? Até que ponto confundimos racismo com sentido de perseguição, pensando que todas estão contra nós, por ser-mos de outra raça, cor ou nacionalidade? Em que circunstancias estamos realmente a ser racistas?

Até que ponto um abuso de autoridade de um policia branco, para com um casal afro, reflecte realmente o que ele pensa em relação àquela etnia? Consideramo-nos racistas! E se num momento de vida ou morte, optarmos rápida e instintivamente por fazer tudo (arriscando a nossa própria vida) por salvar outro de cor de pele diferente. Somos realmente racistas? Se somos, porquê agimos daquela maneira? Vale a pena continuar a pensar dessa forma?

No final dá para perceber, que brancos, africanos, sul-americanos, mulatos, chineses paquistaneses, etc, somos todos iguais e todos precisamos uns dos outros para viver. Maldizemos, condenamos e maltratamos uma “etnia”, quando no futuro a nossa vida depende de alguém dessa etnia.

Constatamos também, que nos momentos que mais precisamos, se veem quem são os nossos verdadeiros amigos e por vezes, o destino ajuda-nos a constatar que na etnia que desprezávamos e subjugávamos, está quem nos apoia quando mais precisamos.

Aprendemos que alguns de nós, quando temos 5 anos, somos contemplados com uma fada que nos dá uma "manta" de protecção invisível, que nos protege das balas da vida e que deveremos lega-la aos nossos descendentes quando estes também tiverem 5 anos.

Podemos ver também como um símbolo religioso é a ponte para a crença, mas que por vezes esses “símbolos” de mártires, face a situações de racismo, podem fazer de nós outros mártires e “levar-nos” com eles.

Tráfico de pessoas, assaltos a lojas, roubos de viaturas, jogos políticos, carreiras profissionais, etc, são tudo “panos de fundo” para toda esta panóplia de situações que giram à volta do racismo.

No filme, o destino quer que todos os actores sejam postos à prova. O filme faz-nos ver que todos dependemos uns dos outros e sem as outras classes sociais e etnográficas, não podemos viver. Até um mero agente de seguros e uma administrativa de saúde, intervenientes no filme, no final, vêm as suas vidas colidir (literalmente).

Concluo o comentário a este filme afirmando que que o racismo é burrice! E esta conclusão faz-me cantar uma música do Gabriel o Pensador “(…)O racismo é burrice mas o mais burro não é o racista é o que pensa que o racismo não existe. O pior cego é o que não quer ver. E o racismo está dentro de você, porque o racista na verdade é um tremendo “babaca”, que assimila os preconceitos porque tem cabeça fraca, e desde sempre não pára pra pensar, nos conceitos que a sociedade insiste em lhe ensinar. E de pai pra filho o racismo passa, em forma de piadas que teriam bem mais graça, se não fossem o retrato da nossa ignorância (…).

É apenas um pequeno trecho da música. Ouçam-na toda no youtube e prestem atenção à letra.é sobre ela que gira o filme (não apenas no Brasil, mas no mundo).

'15 filmes da minha vida' - Nº02 - A Vida é Bela (1997)

No meu “top 3”, 2 filmes italianos. Depois de “Cinema paraíso”, o meu Nº2 chama-se “A Vida é Bela”. Gosto de cinema italiano. Gosto da sonoridade da língua italiana numa sala de cinema.

É um filme do ano de 1997, Realizado por Roberto Benigni , que também encena o papel principal de Guido, contracenando com Dora ( Nicoletta Braschi) e o pequeno Giosuè (Giorgio Cantarini).

Guido é um homem muito divertido… simples, vindo de uma aldeia, para uma cidade, à procura do seu tio, a quem pede um emprego para melhorar a sua vida. O argumento leva-nos para a década de 40, enquanto Itália atravessava uma fase política e económica muito complicada. Às portas da 2º Guerra Mundial as ameaças pairaram e Itália acaba por se envolver fortemente na grande guerra, com consequências desastrosas para as suas gentes

O filme gira à volta de uma história muito simples, mas esta simplicidade é inversamente proporcional à grandiosidade da compilação de momentos engraçados, dramáticos e cheios de fortes cargas emocionais.

A sua ida para a cidade leva Guido a cruzar-se com uma jovem italiana a que ele chama de principessa. Apaixona-se por essa mulher, que lhe caiu do céu (literalmente) e faz tudo para conquistar o seu coração, das formas mais bizarras e engraçadas.

As formas caricatas que utiliza para a conquistar, fazem-no passar por inspector de escolas, estender-lhe uma enorme passadeira vermelha numa noite de temporal, entrar de rompante na suposta festa de noivado de Dora, montado a cavalo, só para ir buscar a sua principessa …estas e muitas outras peripécias vão-se desenrolando e fazem com que a boa disposição nos “atinja” no filme, mas sempre com a humildade, o carinho e a ternura presentes na aureola de felicidade que envolta o casal.

Entretanto esta felicidade, vai-se dissipando, com aquilo que o futuro lhes reserva. Sofrendo muito por dentro mas nunca perdendo a sua cómica boa disposição, Guido é levado com a sua família para campos de concentração e acaba por ser separado de Dora, ficando com o seu filho de 5 anos – o pequeno Giosuè.

O objectivo de vida de Guido passa a ser reunir novamente a sua família e acima de tudo fazer com que o pequeno não perceba que estão num campo de concentração, a fazer trabalhos pesados, entranhados num mundo de miséria e sofrimento.

Inventa uma história… de que todos se têm de vestir da mesma forma (com os normais fatos de prisioneiros, mas estranhos para Giosuè) e todos os dias os adultos saem trabalhar para ganhar pontos, enquanto os meninos tem de ficar sempre escondidos, pois só assim também conseguem ganhar pontos.

Por isso não se vêm mais meninos no “jogo”, estavam todos escondidos para também ganharem mais pontos. A equipa pai /filho que conseguir atingir os 1000 pontos primeiro, recebe um prémio de sonho para Giosuè… um tanque de guerra (… no final do filme o destino “oferece-lhe” esse tanque, mas não de brincar… um tanque a sério!!). É este cenário que leva ao nome do filme.

Com o ambiente dramático, de dor e de sofrimento, próprios das circunstâncias de guerra, o adulto Guido, em grande e profunda tristeza, consegue transformar a dura verdade num simples jogo, conseguindo não tirar o sorriso dos lábios e ao final de cada dia, para não o ver sofrer, fazer ver ao menino de 5 anos, que “a vida é bela”.

Muitos diálogos e cenas do filme, “arrancam -nos” lágrimas e emoções muito fortes. O amor à família, especialmente a um filho, torna cada momento mais intenso.

Cenas, diálogos e situações do filme “transportam-nos” para um ambiente de guerra. “Transporta-nos” é uma palavra que eu uso muito nos meus comentários, mas é a ideal para descrever a facilidade com que esta película nos ajuda a viajar para a II Guerra e conseguir, entranhar bem as sensações que uma família vive e sente, cada um à sua maneira, numa envolvência de guerra.

O valor de pequenos momentos como ouvir uma música clássica em pleno campo de concentração, poder saborear um pedaço de pão duro e sem geleia, poder ouvir longinquamente a voz de quem se ama, etc, dão uma grande beleza ao filme.

No final Giosuè, consegue ganhar o tanque. Mas e o pai? E a mãe? Voltarão a brincar com ele… como costumo dizer, nem todos os filmes têm de ter um happy-end e quando não o têm, muitas vezes só contribuem para solidificar o realismo do argumento.

'15 filmes da minha vida' - Nº03 - Cinema Paraiso (1988)

Um drama italiano de 1988, do realizador Giuseppe Tornatore que vale muito pela sua simplicidade. É um filme com uma carga emocional muito forte, onde a música e a banda sonora dão grande requinte à película.

É um filme sobre cinema. Uma criança - Toto (Salvatore Cascio), muito traquinas, que adorava cinema, cresce junto de Alfredo (Philippe Noiret), o dono do cinema de Giancaldo, (uma pequena cidade italiana perto da Cecília) e quer ajuda-lo para poder ver os filmes de graça e para aprender a trabalhar em cinema. Esta paixão pelo cinema vai crescendo e Salvatore (Toto já em adulto) acaba por fazer do cinema sua profissão, primeiro na pequena cidade e mais tarde, muito longe da Giancaldo, tornando-se num bem sucedido cineasta.

Certa noite, já em adulto, Salvatore recebe a mensagem de que a sua mãe tinha ligado a avisar que Alfredo, o seu “pai” na sua infância e juventude, tinha morrido. Aquele, que lhe tinha dito para partir em busca de uma vida melhor e nunca mais voltar a Giancaldo, tinha falecido.

O filme é, na sua maior parte uma recordação. Salvatore recorda em pensamentos, a sua infância, adolescência e juventude, os bons e maus momentos que passava com Alfredo, naquela pequena cidade.

Salvatore recorda-se das alegrias que passaram juntos. No fundo Alfredo tinha sido o pai que ele tinha perdido na guerra (do qual ele já mal se recordava). Lembra-se dos bons momentos que viveram juntos, os conselhos que Alfredo lhe tinha dado. A ternura de um amigo confidente e as travessuras que em miúdo e adolescente Toto tinha cometido.

Recorda os personagens peculiares que habitavam a cidade, desde o padre super conservador que pedia a Alfredo para ver os filmes e mandar cortar as partes que envolviam beijos e outras cenas mais íntimas, ao senhor que adormecia nos filmes, passando pelo senhor que já sabia a história de cor, o senhor que mal educadamente cuspia para cima dos outros espectadores e um dia recebeu a troca, o maluco que se auto intitulava como dono da praça, a professora e os seus métodos ortodoxos de ensinar, o dia em que Toto ajudou Alfredo a fazer o exame da primária, ganhando com isso o privilégio de poder ir ajudar o seu amigo Alfredo na sala de projecções, enfim um conjunto de personagens, todos eles muito simples, mas também muito caricatos e engraçados.

Um dia, Alfredo abre a janela e com um movimento de camara “transporta” a imagem do seu filme para a parede da praça, levando a alegria a quem lá estava, mas foi aí que o Cinema Paraíso, se incendeia. Com muito esforço, Toto consegue salvar Alfredo, mas que inevitavelmente fica cego. A forte amizade, ainda mais forte se tornou.

Já na adolescência, um dia Toto apaixona-se por uma bela ragazza, que não quer namorar com ele. Ele, seguindo uma história que Alfredo um dia lhe contara, diz-lhe que esperará 100 dias e 100 noites para que ela realmente o comece a amar. E assim foi, todas as noites quer fizesse frio ou calor, quer estivesse bom ou mau tempo ele ali estava, esperando que a janela se abrisse.

Quando ele regressa a Giancaldo, para o funeral de Alfredo, vê os sinais do tempo… recorda-se de todas estas histórias e personagens, revendo as pessoas já com 30 anos a mais, a cidade quase abandonada, o cinema paraíso prestes a ser destruído e a viúva de Alfredo, que lhe diz que tem uma “coisa”, para lhe dar que Alfredo lhe tinha deixado.

Era uma fita de cinema. Já numa das suas “profissionais” salas de projecção, pede que projectem essa fita, e esta é, nada mais, nada menos, que o somatório de todas as cenas censuradas que o padre tinha mandado cortar. Beijos, momentos sensuais, cenas mais ousadas, cenas destemidas, ensejos atrevidos, todos os momentos mais afoitos que na sua infância tinha sido privado de ver… e vêm as lágrimas a Salvatore.

'15 filmes da minha vida' - Nº04 - 21 Gramas (2003)

"Quantas vidas vivemos? Quantas vezes morremos? Dizem que todos nós perdemos 21 gramas no momento exacto de nossa morte. Todos. Quanto cabe em 21 gramas? Quanto é perdido quando perdemos 21 gramas? Quanto se vai com eles? Quanto é ganho? 21 gramas. O peso de cinco moedas de cinco centavos, o peso de um beija-flor. Uma barra de chocolate. Quanto pesam 21 gramas?"

É uma frase que retirei do filme e que justifica o porquê do nome do seu nome. É um filme arrepiante. Um filme partido aos pedaços que vão sendo colados e vai sendo delineado um argumento fantástico. Uma história que gira à volta do Amor, da Família, da Alma, da Fé, da Vida e da Morte.

São 3 os personagens, cujas vidas são como uns “novelos” que são atirados ao mundo e se vão entrelaçando e cruzando das melhores e das piores formas possíveis. A cor de cada “novelo” é indefinida… cada momento que cada personagem atravessa no filme dá à sua linha de “novelo” de vida uma cor que, ora colorida, ora cinzenta, vai constituindo o excelente “tear” que o realizador Alejandro González Iñárritu realizou.

Paul (Sean Penn), um homem que tem os dias de vida “contados”, precisa urgentemente de um dador de coração, para poder continuar a viver, mesmo sem certezas da longevidade da sua vida. Vive com uma companheira, com a obsessão de ser mãe.

Christina (Naomi Watts), uma mulher que se depara com um dos piores cenários que a vida nos pode reservar: Perder o marido e as filhas num acidente brutal de automóvel. As filhas morrem imediatamente, e o marido não sobreviverá muitas mais horas. Uma mulher cuja felicidade era quase plena, com uma família perfeita, vê a vida deixar-se levar, e cair nos vícios da droga, álcool, etc, com a obcessão de vingar a morte dos seus queridos.

Jack (Benicio Del Toro), um ex-presidiário, rendido à sua fé em Deus, tenta passar uma esponja no seu passado e construir o seu futuro procurando a felicidade agarrado aos valores “família”, “religião” e “integridade”. Mas os “altos e baixos” da vida, conseguem fazer que, por vezes, um homem perca todas as suas forças para agarrar qualquer “valor”… inclusive a sua fé, que se transforma em dúvida.

Jack, no seu dia de aniversário, a caminho de sua casa, onde a família e amigos lhe prepararam uma festa, atropela acidentalmente 3 pessoas. Esse trágico acontecimento, retira o sentido de vida a Christina, mas dá “Vida”(literalmente) a Paul, oferecendo-lhe um coração.

Paul tenta saber quem foi o dador do seu coração, quem lhe devolveu a vida, e acaba por encontrar Christina. O novo coração de Paul continua a sentir o que o anterior “dono” sentia pela mesma pessoa….Amor.Será possível que um coração, continue a bater mais forte junto da mesma pessoa, que o seu anterior “proprietário” amava? Será que o amor pela mesma pessoa permanece num coração eternamente?

O filme não é sequencial… é um filme cujas suas cenas são flash´s ao passado, ao futuro e ao presente, que se vão colando e com o avançar do filme, ajudam-nos a perceber o enredo e a história. Quanto mais se aproxima do fim mais empolgante se torna, pois alguns desses flash´s, que parecem incongruentes, se vão tornando mais claros, com o que a cena seguinte nos brinda!

Naomi Watts ganhou o prémio de “Melhor Actriz” e Benito Del Toro de “Melhor Actor Secundário”, prémios muito bem entregues, pelos seus excelentes desempenhos.

Neste meu comentário, poderia ainda escrever sobre conceitos como a “Inseminação artificial”, o “aborto”, o “suicídio”, entre outros temas e ideias que vêm “à baila” no filme, mas o melhor mesmo é ver ou rever o filme.

'15 filmes da minha vida' - Nº06 - Cidade dos Anjos (1998)

É um filme que já vi umas 3 vezes e não me canso de o rever. A história é divinal (literalmente). O filme gira em torno de anjos e seres humanos, carnais e a sua relação. Todas as virtudes que um anjo pode ter…os seus poderes de omnipresença, de imortalidade, de invisibilidade, contrapõem-se com a sua ausência sensações boas ou más que a vida pode oferecer. A estas restrições, abre-se a excepção aos fortes sentimentos de amor e paixão que Seth “Pratos” ;-) (Nicolas Cage), consegue sentir por Maggie Rice (Meg Ryan).

É um filme com um argumento emocional muito poderoso, em que as sensações de amor/paixão são postas à prova a uma médica, que muito céptica relativamente à religião, lida diariamente com a ténue fronteira entre a vida e a morte, salvando (ou não) vidas, dos seus pacientes.

Já Seth, passa a eternidade, acompanhando os humanos, ouvindo todos os seus pensamentos, lado a lado nos seus quotidianos, intervindo ou não em alguns momentos das suas vidas, mas isentos aos sentimentos. Tal situação fá-lo questionar o seu companheiro “De que servem as nossas “asas de cartolina”, se não conseguimos sentir o vento nas nossas caras?”

Vive na invisibilidade, aparecendo na vida real em circunstancias decisivas, sendo uma delas… os momentos finais de cada vida. O que a ciência chama de “delírios”, são no filme, os humanos já à beira da morte, a falarem com os “comissários” de boas vindas à vida depois da morte.

Num dos momentos de angústia da médica, por esta não ter conseguido salvar a vida de um dos seus pacientes, mesmo tendo feito tudo o que estava ao seu alcance, Seth, invisível ao seu lado, sente que ela “sentiu” a presença de uma força superior. Que conseguiu senti-lo a ele na sua forma incorpórea, olhando-o directamente para a alma.

É aberta uma porta: abdica-se da imortalidade, para se poder viver uma vida materializada, tendo consciência de que na vida também há dor e dissabores, mas também há a certeza de que se pode encontrar o amor. É essa porta que Sath decide abrir, indo ao encontro de Maggie, aquela que se torna a sua razão de viver.

É um filme excelente e não tem que ter obrigatoriamente um happy-end . No final o protagonista é questionado se vale a pena passar de eterno e imortal, para efémero e mortal ao que este responde “Prefiro ter sido beijado uma vez, ter sido abraçado uma vez e ter sido tocado uma vez, do que passar uma eternidade sem o experimentar”.

Como esta existem muitas outras frases com conteúdos “potentes” que enriquecem o argumento do filme, não se tornando aborrecido (na minha opinião) ver e rever o filme, pois cada vez que o revemos, descobrimos novas mensagens.

A banda sonora é fenomenal, com músicas espectaculares, das quais destaco “Angels” (Sarah Mclaughlin), “Live a Beatiful Life (Adam Nunes)”, “Uninveted” (Allanis Moriset), “Iris” (Goo Goo Dols) e “If God Send His Angels” (U2) – Entre muitas outras.

Sugiro que as ouçam no Youtube e sintam as emoções que elas transmitem e o conteúdo das suas mensagens. As suas letras relatam parte do filme e dão para perceber “ao que vamos” quando vamos ver o “City of Angels”.

'15 filmes da minha vida' - Nº07 - Os Condenados de Shawshank (1994)

É um filme esplendoroso. Tinha-o visto à cerca de 5 anos e revi-o agora novamente para confirmar as minhas certezas de que se trata de um filme merecedor de um "oscar" no meu pódio de filmes.

O tempo passa… é um filme que remonta a 1994 (já lá vão 17 anos) e são visíveis os sinais do tempo nos grandes actores Morgan Freeman e Tim Robbins.

Tal como o meu 15º filme (Million Dollar Baby), este é um filme, cuja história é narrada por Morgan Freeman (Red), que é o grande amigo do personagem principal - Andy (Tim Robbins).

Andy é um banqueiro, muito bem profissionalmente, que se vê traído pela mulher com outro homem, e posteriormente, traído pela justiça, acabando, injustamente, por ser condenado a prisão perpétua.

Andy, entra na prisão como “new fish”, mas com o tempo acaba por se inserir no meio e vai-se apercebendo como funciona aquele mundo. É um filme que aborda o conceito de “institucionalização”, e que poderia servir de exemplo para aulas de psicologia e sociologia.

Um recluso preso à décadas, é uma pessoa que se adaptou a um meio, onde criou laços durante quase uma vida. Quando lhe é concedida liberdade, essa liberdade é encarada com um mix de alegria e tristeza. Alegria porque sempre foi o que desejou desde que para ali entrou, mas por outro lado, tristeza e medo (que podem ser fatais), consciente da sua fragilidade para um novo mundo (tão diferente daquele que deixou antes de entrar), e desprovidos de qualquer apoio familiar.

Essa forte “institucionalização” que está enraizada nos ex-reclusos, fá-los, no seu quotidiano, tomarem atitudes tão ridículas como pedir autorização para ir à casa de banho (como se a sua vida se continuasse a ser uma prisão).

Estas situações são visíveis nalguns reclusos, colegas de Andy, que vão abandonando a prisão, mas não é o caso do actor principal. Andy, sonha… e o seu atípico elevado nível de conhecimentos, levam o director do estabelecimento prisional a depositar nele grande confiança, e torna-o seu contabilista, forçando-o a falsear documentos e a fazer "lavagem de dinheiro", enriquecendo à custa do recluso… mas o destino, muitas vezes, acaba por trocar as voltas.

Andy observa, como funciona uma prisão. Apaixonado pela geologia, com um pequenino martelo vai construindo pequenas peças de xadrez e apercebe-se de quão afastados da realidade estão os reclusos, e como, por exemplo, uma música ou um livro podem tocar no coração de cada um.

Não desvendarei muito mais do filme. Apenas posso dizer que vale muito a pena ver. As emoções que são transmitidas pelas fortes amizades que são criadas dentro das prisões. A diferença entre o valor de uma cerveja dentro e fora da prisão. A falsidade constante da “Autoridade” que exerce o “Poder” (manipulando os condenados). A importância das coisas simples. Os reencontros. As amizades. São tudo factores que podem fazer ” mover montanhas”.

É um filme que me faz lembrar uma fábula que fala de elefantes...Estes quando são pequeninos e nascem nos circos, são amarrados a uma pequena árvore. Tentam soltar-se e com a sua pouca força até então, não conseguem libertar-se. A robustez de um elefante bebé, não lhe dá forças para arrebentar com a corda e se soltar. O animal desiste. O tempo passa. A estatura e força do elefante crescem abruptamente, mas o elefante adulto continua agarrado à ideia do passado e não experimenta tentar novamente partir a corda. Não tenta, pois não acredita nele próprio. Metaforicamente, podemos associar o Andy a um “elefante” nunca deixou de puxar a corda… e está sempre consciente da força que tem para conseguir a liberdade… se não desistir!

'15 filmes da minha vida' - Nº7 - O Lado Selvagem (2007)

O Lado Selvagem é a tradução portuguesa para Into the Wild. Ambos colocam a ideia de selvagem (ou wild) em foco. Neste filme, o selvagem refere-se ao que é primitivo, ao despojo das posses materiais e à liberdade.
Baseado numa história real, O Lado Selvagem conta a história de Chris McCandless, um rapaz de 20 anos que toma a corajosa decisão de iniciar uma viagem solitária rumo ao Alaska. Depois de finalizar a universidade, Chris segue à letra a sua determinação em lutar por um elevado estado de espírito. Começa por despir-se dos seus bens materiais. Ele rejeita o carro oferecido pelos seus pais, rasga os seus cartões de crédito e oferece todo o dinheiro que tem para caridade. Desiludido com os valores de ambição e conformismo social representados pelos pais, Chris, interpretado por Emile Hirsch, procura a sua própria realidade e o seu próprio eu numa odisseia de auto-descoberta que também trará a si e sua família, momentos dramáticos.
Este é um filme de viagens. Um dos aspectos que mais me fascinou quando o vi, é a sensação de nos perdermos e de nos encontrarmos com a personagem principal. Ao adoptar como espectadores o ponto de vista de Chris, estamos também a redescobrir-nos e a colocar questões a nós mesmos. Viveremos nós perto da nossa natureza e da nossa humanidade? Estará o estilo de vida actual a afastar-nos do que realmente nos interessa? O respeito pela natureza, pela família, pelo amor, pelas pessoas é alcançado na sociedade actual? O Lado Selvagem tem passagens lindíssimas, tanto a nível filosófico, como literário. A nível de cenários e de banda sonora.
Chris é um jovem humanista, determinado, profundo e com bom-humor. As pessoas com que se cruza ao longo do filme testemunham-no. Chris consegue emprestar a essas pessoas a sua profundidade de alma, a sua capacidade de empatia e o seu espírito de aventurança. A pureza das suas intenções é percebida por pessoas de idades diferentes em fases da vida distintas. É o verdadeiro espírito da juventude que este jovem representa quando percorre os Estados Unidos, quando entra no México e quando finalmente chega ao Alaska.
É lindo o sonho que alumia a tocha que é o coração de Chris. No fundo, a procura da sua individualidade. Uma odisseia que sempre trará momentos únicos: onde a solidão dura é reveladora e onde a beleza humana é divina.
Lado Selvagem é relaizado por Sean Pean e conta, além do actor principal e entre outros, com Marcia Gay Harden, William Hurt e Jena Malone. A música de Eddie Vedder acompanha maravilhosamente o filme.

'15 filmes da minha vida' - Nº9 - O Resgate do Soldado Ryan (1998)

Uma morte é horrível… e tirando psicopatas ou outros doentes mentais ninguém é capaz de assassinar ninguém. Quando isso acontece é notícia de abertura de telejornais. Mas e se tivermos uma arma apontada para nós… situações em que ou morremos ou matamos, como reagimos? É assim guerra!

Gosto de alguns filmes de guerra, que nos “transportam” para cenários, que quando bem realizados (como é esta obra de Steven Spielberg) parecem reais, e espelham as derrotas, o pânico, a tristeza e ao mesmo tempo, as vitórias, os laços de amizade, união e entreajuda, entre todos os colegas de combate.

O Resgate do Soldado Ryan, remete-nos para a segunda guerra e conta-nos a história de uma equipa liderada pelo Capitão John Miller (Tom Hanks) que por ordens superiores, parte em busca de um soldado, para eles desconhecido, mas que tendo perdido 3 irmãos na guerra, querem que este volte vivo para junto da sua família.

Nunca estive em guerra (e espero nunca vir a estar), mas consigo imaginar o que é liderar equipas/batalhões de soldados, muitas vezes em desespero de causa, com a morte a pairar sobre eles. É preciso saber tomar decisões certas nos momentos certos, e, em ambientes de alta tensão, ter sangue frio para saber agir.

Momentos em que muita gente que diz não ter fé… sentindo a morte tão perto, rapidamente a encontra e pede ajuda a Deus, para conseguir sair vivo de certos momentos.

No fundo acho o filme formidável, com uma história simples… que consiste na procura incessante do irmão James Ryan (Matt Damon), até este ser encontrado, mas com um realismo brutal (como já referi), e pelo conteúdo de algumas cenas em particular, que fazer despoletar sentimentos muito fortes de angustia, dor , mágoa, sofrimento, valentia, e coragem como por exemplo o desembarque na Normandia, a perda de amigos/colegas em combate, a dor de uma mãe a saber que perdeu 3 filhos, a garra que um homem tem em continuar a combater depois de saber que perdeu 3 irmãos, a angústia de certas famílias em cenários de guerra, etc.

Uma parte no início do filme, aquando em som de fundo, são lidas em simultâneo inúmeras cartas que estão a ser enviadas para quem perdeu familiares na guerra, faz-me lembrar um filme de Clint Eastwood -“ As Cartas de Iwo Jima” (que não está no meu top, porque só lá cabem 15 – mas vou entregar-lhe uma menção honrosa), em que no final há uma cena parecida onde são lidas simultaneamente muitas cartas, que muitos soldados escreveram s aos seus familiares.

O filme é uma lembrança do soldado Ryan, junto do túmulo do capitão que com uma equipa de 8 elementos, o foi resgatar.

Filme brutal.

'15 filmes da minha vida' - Nº10 - Match Point (2005)

O filme começa com uma cena de um jogo de ténis, onde, normalmente, a bola é atirada de um lado para o outro do campo… numa dessas jogadas, a bola bate na rede e a imagem para… a bola tanto pode cair para um lado, como para o outro lado do campo!! Quem decidirá para que lado ela irá cair? Quem será o ganhador e o perdedor? Serão a sorte e o azar os decisores?

É um filme de Woddy Allen, onde o principal papel é atribuído a Jonathan Rhys Meyers, contracenando com Emily Mortimer e Scarlett Johansson (para mim das actrizes mais bonitas e sensuais da actualidade). Chris Wilton, um professor de ténis, irlandês, decide vir para Londres em busca de uma vida melhor… A ambição fá-lo perseguir a riqueza, e acaba por ver-se envolvido e integrado numa família rica, que lhe dá tudo o que a luxúria lhe pode oferecer… riqueza, estabilidade profissional e um futuro muito promissor e uma esposa - Chloe Hewett Wilton.

Entretanto a felicidade desse ex-professor de ténis não é completa. Sente-se emocionalmente insatisfeito, acaba por não conseguir resistir à beleza de Nola Rice, levando-o a uma vida dupla carregada de hipocrisia, de omissão e mentira. Não consegue abdicar de uma das duas coisas que considera fundamentais para a vida – A Riqueza ou Amor.

A amante era americana e pretendia ser actriz, representar… mas com o andamento do filme, quem tem todas as potencialidades para ser um bom actor é o ex-professor de ténis. Pela forma como consegue “representar” nos vários “palcos” que a vida lhe vai reservando: a sua casa, mulher, família e o quarto da sua amante.

Sempre temos de fazer escolhas na vida… escolhas que por vezes são difíceis, mas na maioria das vezes, procuramos ser sempre nós a trilhar o nosso caminho, e, certas ou erradas as nossas decisões são tomadas.
Perto do final do filme, Chris Wilton, toma a decisão sobre o que deve abdicar na vida: O amor, ou a riqueza. Esta decisão é tomada de uma forma surpreendente e pouco ortodoxa, mas própria de alguém cuja ambição não olha aos meios para atingir os fins.

Também já quase no final do filme, o actor principal atira um anel para o Tamisa… e tal como no início, são a sorte e o azar que escolhem para que lado do limbo o anel deve cair…se vai parar ao rio ou se continuará do lado do actor. E de que forma um simples anel pode traçar o destino de alguém.

É um filme que nos faz pensar se a sorte o azar existem mesmo! Quem os cria, quem escolhe qual deles prevalece…no fundo, se alguém decide o nosso futuro.

Um filme como eu gosto – com um final surpreendente, que ninguém estava à espera. Para além do excelente argumento do filme, acresce o facto de poder rever a linda cidade de Londres e ouvir o inglês na sua genuidade… o british accent!

'15 filmes da minha vida' - Nº11 - Gran Torino (2008)

Mais um filme com o Clint Eastwood, como actor principal, realizador e produtor.

Começo o meu comentário pelo final. O filme termina com uma música extraordinária, cuja letra nos vai falando dos valores da nossa existência, e como um bem simbólico - carro, nos pode trazer sentimentos passados, e presentes, e ser um marco da nossa vida.

Toda a música é um poema, carregado de emoção que retrata partes do filme.

“gentle now the tender breeze blows
whispers through my Gran Torino
whistling another tired song”

Gran Torino, é o nome de um carro… um carro antigo, da década de 70, que no filme poucas vezes aparece e nos faz questionar, porquê o filme tem este nome. No fundo o Gran Torino é um símbolo. Um símbolo de valores, recordações, que simboliza a transição de gerações ao qual o coração de Walt Kowalski ( Clint Eastwood), está bastante “amarrado” e representa uma “ancora” no seu tempo passado, presente e futuro.

Walt é um velho ex-combatente da guerra do Vietname, rude, sempre rezingão e com uma personalidade difícil, criada pelo difícil percurso de vida e que nada faz para ser simpático. Mora num bairro onde a sua vizinhança é multicultural, muito dominada por orientais chineses, com a qual este não se identifica.

Passando as suas tarde junto na sua varanda, junto ao jardim de sua casa, Walt assiste aos problemas de aculturação os orientais recebem ensinamentos ocidentais de como se deve ser e estar nesta sociedade. Mas esta sociedade está diferente e nem o velho americano, compreende a nova América. Os problemas culturais e geracionais são obstáculos para o ex-combatente.

É um filme que sublinha o significado da presença ou ausência da família, nos bons e maus momentos. Não só nos momentos festivos e de pesar, em que a tradição “manda” que se deve estar presente, mas também nas restantes ocasiões.

Mas com o desenrolar do filme, a ausência de amor daqueles que supostamente lhe deveriam ser mais próximos, afunda-o numa solidão cujas únicas companhias são o álcool, o tabaco e um cão. Entretanto, por detrás desse homem frio, há um homem com sentimentos, que instintivamente reage a injustiças e começa a ter uma nova atitude face à vida, quando é muito bem acolhido pelos seus vizinhos (com os quais nada simpatizava) e percebe o sentido de família e comunidade, “apegando-se” muito aos 2 vizinhos adolescentes.

Mais não conto desta história que é simples mas cheia de conteúdo.

Se não virem o filme, pelo menos ouçam a música final de Jamie Cullum, cantada pelo próprio Clint Eastwood… acho-a esplendorosa e emocionante. Cada estrofe do poema reflecte partes da vida quotidiana de Walt e espelha-nos o que a vida de cada um de nós pode significar, podendo cada um de nós, à sua maneira, ter o seu próprio “Gran Torino”.

'15 filmes da minha vida' - Nº8 - Duplo Amor (2008)

Como é que desejamos quem ainda não conhecemos bem? E em que medida reconhecemos quem desejamos? Todos nós somos muito mais no fundo do que aquilo que mostramos à superfície. Às vezes, e só às vezes, conseguimos ver uma brecha entre o muro que não raramente separa os nossos seres.
Duplo Amor é um filme de aproximações e distanciamentos. Leonard Kraditar (Joaquim Phoenix), é um homem na casa dos 30 que vive atormentado com os seus receios. Ele vive entre a angústia e a esperança. Até que alguém surge no prédio onde vive com os pais. Subitamente, Leonard sente a vitalidade a percorrer-lhe as artérias. Ele vive para a sua musa, que lhe deu novas alegrias e razões para respirar. O amor e a paixão curam tudo.
O enredo do filme é um triângulo composto por Leonard, pela filha de amigos dos pais, Sandra Cohen (Vinessa Shaw) e pela vizinha Michele Rausch (Gwyneth Paltrow). Entre distâncias que se encurtam e aumentam, estas três personagens revelam os seus desejos e contentamentos à medida que a história avança. As emoções e os sentimentos dos três são sempre sugeridos por pistas. Os sonhos que têm, as fragilidades que os acompanham, a boa vontade que possuem.
Em determinados momentos pensamos que agarrando-nos obsessivamente a alguém, tudo o que precisamos vem até nós. Mas a vida evolui ao nosso lado. Tudo o que se pode perder num dia é algo que se pode ganhar quando reconhecemos quem temos perto de nós.
Duplo Amor, do realizador James Gray, é um filme simples à primeira vista mas que se revela complexo à medida que mergulhamos no seu interior. Tal como nós próprios, criaturas seguras de tudo menos da nossa própria fragilidade.