Um novo começo!

Bom dia a todos! É com muito gosto que eu e o meu amigo Pedro Marçal regressamos a este blog! Estamos cheios de vontade de sentir o prazer de escrever sobre filmes outras vez. Para assinalar simbolicamente este novo começo deixo aqui algumas palavras e o trailer do filme "The New World", de 2005.

 "The New World" é um filme histórico. Assinala a colonização da América por britânicos no século XVII. O ponto de contacto faz-se entre os colonos ingleses e os nativos do continente. John Smith (Colin Farrel) e Pocahontas (Q'orianka Kilcher) são as personagens pelas quais o velho e o novo mundo se encontram. Um começo para ambas as partes.
Este é um filme de Terrence Malick, autor de "The Tree of Life". Tal como este, "The New World" é um filme carregado de imagens fascinantes e de sons ou silêncios cativantes.
Agora vejam e comentem. Observem o filme e deixem-se levar... Apreciem!

Link para o trailer

https://www.youtube.com/watch?v=b-zMIgxbmnA

'15 filmes da minha vida' - Nº1 - As Pontes de Madison County (1995)

As Pontes de Madison County ficaram para sempre imortalizadas pelas fotografias de Robert Kincaid (Clint Eastwood). Uma ponte simboliza uma passagem, uma passagem para mais além. Uma estrutura de união e não de separação. Robert Cincaid vive numa realidade nómada. Francesca (Meryl Streep) enraizou-se na terra, na família. O primeiro sonha com unidade, a segunda, sonha com expansão. Mas ambos querem encontrar-se. Os impulsos ditam o decorrer da acção e já nada será como dantes. Mais tarde, perduram fotografias de pontes, de avanços e recuos, de revelações e cumplicidades. Francesca veio de Itália com idade de novata. Na bagagem, o sonho de conhecer o mundo e o amor. Francesca torna-se Francesca Johnson no Iowa, no centro dos Estados Unidos. O cenário é sereno, a vida passa-se a um ritmo tranquilo. A mulher resgatada em Itália tornou-se na mulher mãe, na cuidadora da família. E isto seria perfeito. Ou talvez não. De alguma forma, ela não consegue negar a voz dos seus sonhos e o apelo do espaço amplo que nela habita. O quotidiano decorre até ao dia em que a paixão e o amor a visitam e despertam todo o seu ser. Robert Kincaid é um solitário. Observa a vida à medida que se move. Pertence a tudo para cada vez pertencer mais a ele próprio. Até ao dia em que não aguenta mais. As visões registadas na sua máquina fotográfica e no seu coração têm que ser partilhadas. Porquê? Não se questionam estes anseios quando aparecem. As emoções tomam conta das pessoas e ditam-lhes a acção. É preciso estar lá, não forçar mas estar disponível. A oportunidade está aí. Perante duas pessoas que fazem vidas diferentes mas que se complementam interiormente. A determinada altura do filme, Robert chega a dizer para Francesca: “Nós já não somos duas pessoas mas uma”. Há no ar um reconhecimento que talvez tudo o que foi feito para trás não tenha sido senão afinal, o pretexto para eles se cruzarem na vida, naquele momento, naquele lugar, naqueles dias. O desejo anda de braço dado com o temor. Somos criaturas de corações divididos. Procuramos estabilidade mas também aventura. Temos medo de nos arrepender mas também de arriscar. E vivemos muitas vezes no limbo, na fronteira. Outras, no melhor de dois mundos. Cada caso é um caso e as pessoas baseiam as suas acções naquilo que acreditam mas também naquilo que podem fazer no momento, na hora H. Este é um filme típico do realizador Clint Eastwood. Os temos escolhidos para os seus filmes retractam montanhas de sentimentos e emoções humanas. Locais altos onde convivem vistas deslumbrantes e abismos tremendos.

´15 filmes da minha vida´ - Nº2 - A Vida é Bela (1997)

Podemos escolher a atitude que temos perante a vida? Roberto Benigni afirma definitivamente que sim. Mesmo quando a guerra nos acena, mesmo quando a perversidade nos olha de soslaio. No meio do sujo e do feio é possível preservar o belo. Este filme prova-o. A Vida é Bela é um filme sobre o triunfo do amor. O amor entre homem e mulher, entre pai e filho, entre o ser humano e a vida. Guido Orefice (Benigni), é um incansável optimista, alguém que inspira os que estão disponíveis para amar (e os que estão menos) que se cruzam no seu caminho. Certo dia, Guido espalha-se contra o amor da sua vida: Dora (Nicoletta Braschi), a sua principessa. Guido tem um plano, ser o ator principal num filme de amor, de uma película que se confunda com o dia a dia e que se torne ela mesmo, realidade. O desafio começa, de peripécia em peripécia, de heroísmo em heroísmo. Guido e Dora são felizes juntos, eles passeiam de mão dada, eles dançam à chuva, eles educam um filho. Até que o negro surge no horizonte. Sob a forma de uma farda cinzenta e de um olhar metálico. A ameaça nazi havia chegado à Itália. De um dia para o outro, Guido e Dora veem-se separados pelos alemães. Destinados a morrer, Guido segura-se no seu filho, Giosué Orefice (Giorgio Cantarini), e ao seu… otimismo. Para Guido a vida tem um sentido, voltar a ver Dora, preservar a vida do seu filho e a sua e voltar a respirar sob um céu azul brilhante. Quanto ao sorriso, esse dificilmente desaparecerá. Mesmo estando dentro de um campo de concentração. A esperança de um futuro melhor torna-se no jogo prático do dia a dia. É possível transformar o desespero de estar num campo de concentração numa entretida atividade que envolve sistema de pontuação e prémios? Guido consegue-o pelo filho. É a família que o prende à vida. Ele, o livre espirito. Tal como um dia não deixou de ser determinado quando resgatou a sua principessa das mãos de um incómodo noivo, também agora irá ludibriar e passar a perna a alemães sisudos e mecânicos. A aventura continua. Esta é uma história que me custa acreditar. De tão heróica, de tão bela, de tão perfeita. É muito difícil derrubar monstros. Roberto Benigni fá-lo muito ao seu jeito. Com um entusiasmo e um positivismo que contagia. Talvez dificilmente algo assim se passe na realidade. Mas uma coisa é certa, a atitude depois de ver este filme nunca mais será a mesma.

'15 filmes da minha vida' - Nº3 - Patch Adams (1998)

Para explicar o porquê de gostar tanto deste filme é necessário dizer que este é muito mais que isso, é uma história verdadeira e que inspira. A lista que estou a construir com 15 dos filmes que mais emocionalmente me marcaram não poderia deixar de contar com uma história que carrega um dos sentimentos que mais gosto de cultivar: o optimismo. Deverei ter visto Patch Adams pela primeira vez há quase 10 anos. Nessa altura fui atingido pela enorme boa vontade, criatividade e boa disposição que o actor Robin Williams emprestou à personagem deste médico que na verdade, existe mesmo. Hunter ‘Patch’ Adams foi um jovem, a quem a vida o empurrou a fazer escolhas de uma vida. Ele fundou um hospital aberto 24 horas por dia e que oferece serviços grátis: o Instituto Gesundheit. Adams é da opinião que o objetivo máximo de um médico não é apenas curar mas, acima de tudo, cuidar.
A história no filme passa-se dentro de um hospital universitário onde Patch Adams tira o curso para se tornar médico. Entre aulas, estudo e a vida entre os seus colegas, cedo se começam a notar as visões e atitudes fora do comum em relação à abordagem que os médicos devem ter perante aqueles que necessitam de cuidado. Durante a prática universitária que inclui a visita regular aos quartos, enfermarias e salas de operações, Adams observa uma relação demasiado distante e desigual entre os tradicionais médicos(as) e enfermeiros(as). Apesar de estas últimas tomarem o seu partido à medida que o tempo passa. Perante isto, o espírito fresco, jovem e optimista de Patch Adams resolve intervir mais de perto e defender os pacientes, aproximando-se deles com o seu sorriso, o seu positivismo e a sua atenção. Mas, considerando formas estar e atitudes tão enraizadas na prática hospitalar, é compreensível que haja quem não partilhe destas inovadoras visões da prática da relação entre o médico e os doentes. Dean Walcott (representado por Bob Gunton), é quem representa esta facção que reprova veemente as práticas de Adams. Este médico reitor faz tudo por sabotar as intenções de Patch Adams. Este responde-lhe com mais e mais humor, amizade e igualdade perante os doentes. Entre as cenas divertidas do filme, há uma que representa bem o ambiente provocatório existente entre os dois. Aquando da organização de uma conferência de ginecologia que deveria ser organizada pelo hospital e também por Patch Adams, o estudante invulgar resolve dar as boas vindas aos médicos ginecologistas de uma forma engraçada e peculiar. À entrada do local reservado para a conferência, Patch instala umas pernas femininas gigantes nas quais a vagina é a porta de entrada do hospital. Escusado seria dizer que Dean Walcott, o reitor, fica fora de si perante isto e que este episódio é a gota de água usada para que Dr. Dean leve em frente a sua intenção de não permitir que Patch se torne médico.
As ideias loucas e os sonhos apaixonados de Patch Adams são partilhados com os seus colegas mais próximos do hospital universitário, Truman (Daniel London), Cari (Monica Potter) e até com o aluno exemplar Mitch (Philip Seymour Hoffman). Mitch representa também no filme a perfeita adaptação de um médico apenas à sua função utilitarista, intelectualmente superior, que no entanto descura os afectos e a proximidade com os doentes. Esta mentalidade é aquela que Patch Adams não defende, procurando para si e para quem o quiser seguir, uma perspectiva mais cuidadora e menos absolutista face à doença e ao sofrimento humano. Uma das frases mais inspiradoras e que mais me comoveram no filme foi proferida quando Patch se defendia perante o tribunal de médicos seniores: “Meus senhores, gostaria de vos dizer que se nós, como médicos, nos focarmos apenas na doença (e obsessão na sua erradicação), ganhamos e perdemos umas vezes. No entanto, se nos focarmos no cuidado da pessoa, garanto-vos que ganhamos sempre!”.
Um filme bonito e inspirador onde o drama e o bom humor estão presentes, fazendo desta uma das melhores histórias contadas no cinema.

'15 filmes da minha vida' - Nº4 - Buffalo 66 (1998)

O amor vence todos os obstáculos. O amor torna o silêncio em palavra, transforma o frio em calor e abre caminhos onde só havia muros. Em Buffalo 66, Vicent Gallo cria e representa uma personagem que vai passar pela experiência de uma vida.
Billy Brown (Vicent Gallo) é um homem com noção de pragmatismo suficiente para perceber que a vida não lhe irá dar muito mais do que tem. Billy é um ex-condenado que acabou de sair da prisão. No dia da libertação, dá inicio a um plano em que está determinado a exercer vingança sobre o culpado da sua apreensão. Billy Brown vive obcecado com esta ideia e com uma outra: a de continuar a dar uma imagem aos seus próprios pais de que é um homem muito bem sucedido. Com a honra por vingar e uma imagem de bom filho a salvaguardar, há no entanto que satisfazer em primeiro lugar uma necessidade: ir à casa de banho. Nos primeiros minutos do filme, Billy vive torturado com este simples imperativo da natureza, o que transforma toda a cena do rapto de uma bailarina, em algo cómico e peculiar. O ex-condenado é neste momento um homem dominado por uma necessidade fisiológica e pela necessidade de arranjar uma “esposa de aluguer”. Esse alguém é Layla (Christina Ricci), talvez um pouco mais nova do que Billy e que este resgata de uma aula de dança para ser a sua mulher. Pelo menos durante a curta visita que ele deverá fazer aos seus pais em Buffalo, Billy quer dar a entender que é bem casado, que tem um emprego estável e que a sua vida é uma tremenda felicidade. Começa então a cena na casa dos pais.
Todos nós somos muito mais do que aparentamos, temos mais fragilidades do que aquelas que tentamos esconder quando nos relacionamos com os outros e somos muito mais especiais do que aquilo que tentamos, muitas vezes em vão, fazer passar. É um mundo de aparências carregado de um ar de complexo vazio emocional, que se respira na casa dos Brown. Juntamente com Layla, Billy vai despender tempo na casa dos seus pais, a tentar colar peças com cuspo e a procurar memórias antigas. Layla é o elemento novo que ambos os progenitores de Billy, Jimmy (Ben Gazzara) e Jan Brown (Anjelica Huston), adulam de forma quase imediata. Ao filho, cabe-lhe o papel secundário, o que parece ter tido sempre na história daquela casa.
E eis que Billy Brown é agora um homem ex-condenado, desejoso de se vingar e… com um grande dilema. Fragilizado com a cena familiar, Billy depara-se com Layla, que ainda lá está. A sua representação foi óptima junto dos seus pais. Mas agora cada um deles deverá seguir o seu caminho. Na estrada, na cidade e à noite eles são invadidos pelo frio. Layla é a doçura, Billy, a pedra fria. Ali perto, na rua, um cartaz publicitário faz uso de uma frase que diz mais ou menos isto: “Partilhe a sua vida. Partilhe a sua decisão”. Billy Brown contorce-se por dentro com dor. Ele debate-se com os seus demónios e sente-se deprimido. Layla vê o melhor daquele homem e está atraída pela sua sensibilidade, que lateja por debaixo de uma capa escura. O filme segue o seu curso e as próximas cenas são passadas num quarto de hotel, onde Billy e Layla se aproximam e se afastam, à procura de uma intimidade que tanto procuram.
Buffalo 66 é um filme onde não existe fogo de artifício e onde não existem perseguições de carros ou aviões. O grande acontecimento é silencioso, não surge de um PAH! Surge antes da subtileza, da doçura e da sensibilidade que se anunciam e que vão derrubando barreiras. Os soberbos Yes compõem a história e dão voz aos sentimentos. As músicas da banda inglesa escolhidas por Vicent Gallo (que também compõe assina boas músicas para o filme) são ‘Sweetness’ e ‘Heart of Sunrise’. Termino com um excerto de ‘Sweetness’, algo que Billy Brown poderia dizer na parte final da sua história: ‘Ela transmite a doçura – Ela sabe muito bem o que dizer para me fazer tão bem por dentro – e quando eu estou sozinho e sinto que já não tenho que me esconder.’

'15 filmes da minha vida' - Nº5 - Guerra das Estrelas - Uma Nova Esperança (1977) O Império Contra-Ataca (1980) O Regresso do Jedi (1983)

Lembro-me de ver Guerra das Estrelas e de me perder no conjunto de astros, mundos e personagens exóticas que esta saga tem para oferecer. Penso que foi com 12, 13 anos que conheci Luke Skywalker e Darth Vader. Os dois partilham laços que por si só abalam planetas, corações e mentes. A ‘Força’ está connosco durante todos os 6 filmes da Guerra da Estrelas: Episódio I, II, III, realizados nos anos 2000 e episódios IV, V e VI realizados nos anos 70 e 80. Já agora, os filmes/episódios IV, V e VI são aqueles que me marcam mais a nível emocional e foram os primeiros a serem realizados. O episódio IV data de 1977. Neste texto poderia incluir toda a saga mas preferi realçar o impacto que os primeiros filmes a serem produzidos tiveram e ainda têm em mim.
A Guerra das Estrelas é um épico. Uma história em que o passado e o futuro se cruzam num momento especial do tempo e numa galáxia muito, muito distante. Luke Skywalker (interpretado por Mark Hammil) é um rapaz humilde e trabalhador que habita a pequena lua de Tatooine e a quem um dia a responsabilidade bate à porta de forma inesperada. Das estrelas, chega-lhe uma mensagem de apelo. Do outro lado, uma princesa chamada Leia (interpretada por Carrie Fisher), transmite um pedido de ajuda em nome de um grupo de pessoas oprimidas e subjugadas pelas forças do temível e manipulador Imperador Palpatine (interpretado por Ian McDiarmid). Este é o ponto de partida do episódio IV e que marca o inicio de um grande movimento rebelde contra as forças negras do Universo. A este grupo juntam-se os inesquecíveis Hans Solo (interpretado por Harrisson Ford), Chewbacca (ser astuto e peludo que é interpretado por Peter Mayhew), C-3PO (um robot elegante e multilingue interpretado por Anthony Daniels) e ainda R2-D2 (um robot simpático equipado com uma inteligência fora de série). Luke e a princesa Leia têm agora todos estes destemidos amigos para darem inicia a uma aventura épica que passará por locais longínquos, antros de mercenários, locais místicos e perigosos, bases imperiais, aldeias primitivas e por demais sítios que se possam imaginar.

A história de Guerra da Estrelas pode ser vista pelo lado político ou sob outros pontos de vista. O familiar, o da amizade, o da fé e o da espiritualidade. Um dos aspectos que esta série tem de mais especial é possuir dentro dela a beleza e a malvadez, o sonho e o pragmatismo, a acção e o romance, o mito e a realidade. Numa expressão, o mundo que conhecemos está também na Guerra das Estrelas. A carga simbólica que existe em Darth Vader (interpretado por David Prowse) trás até nós sentimentos mistos. As suas características de dureza e altivez são reforçadas por um misticismo próprio de um Jedi. Os Cavaleiros Jedi são uma espécie de sacerdotes que combinam capacidades espirituais com capacidades de luta. Dominam a ‘Força’, um dom que é exclusivo a esta ordem e que permite assumir ascendente perante situações e estados de mente. Eles existem no lado do bem (como Luke Skywalker virá a ser) e no lado do mal (como Darth Vader). Em certo sentido, os Jedi são os representantes das omnipresentes forças universais que nos guiam e nos esmagam ao mesmo tempo. Tal como na natureza, tal como na religião. Para cultivar uma forma de estar na vida elevada existem os mestres. Os anciães que pegam nas pontas do tempo e que transportam os valores antigos no futuro. Esses mestres são Obi-Wan Kenobi (interpretado por Alec Guinness) e Yoda (voz interpretada por Frank Oz).
A Guerra das Estrelas é uma aventura. Uma caminhada feita de suor, músculo e intelecto. Uma viagem pelas forças ocultas que nos orientam e nos condicionam. Uma história mitológica que nos entretém e nos fascina.

'15 filmes da minha vida' - Nº6 - Antes do Amanhecer (1995) e Antes do Anoitecer (2004)

O amor é um pequeno fenómeno que por aí anda, à espera que nós o encontremos. O amor está perto ou está longe. O amor não é um X desenhado no mapa de um tesouro. Ele está em todo o lado e pode ser encontrado em todos os lugares. Às vezes surge quando menos se espera e outras vezes esconde-se para mais tarde voltar a fazer a sua aparição.
Nesta posição da lista de 15 filmes da minha vida resolvi juntar dois filmes. Ambos fazem parte duma história de amor e de descoberta, dum romance, dum conto vivido por duas pessoas em fases diferentes do tempo. Os filmes de que falo são ‘Antes do Amanhecer’ e ‘Antes do Anoitecer’.
No primeiro, dois jovens conhecem-se dentro de uma carruagem de comboio que viaja por uma linha de caminho de ferro europeia. Ele é um rapaz americano que está a descobrir a Europa. Ela é uma curiosa rapariga francesa que viaja de regresso a casa. Os momentos que se seguem são de brilho e de magia. Os dois jovens iniciam um percurso comum, ainda dentro do comboio, e que culmina em Viena, onde se enamoram definitivamente. Durante o entardecer e até ao amanhecer, Jesse (Ethan Hawke) e Celine (Julie Deply), percorrem ruas e locais de Viena. Afirmam-se e questionam-se, brincam e são sérios, provocam-se e seduzem-se. Os dois despem as suas almas e envolvem-se nas suas narrativas. Estão a apaixonar-se.
Antes do Amanhecer termina com a manifestação de uma esperança mútua em se encontrarem mais tarde. Mais uma vez, na estação de comboios onde Celine se despede de Jesse, ambos tremem pelo adeus que está tão perto. As emoções fortes vividas nas últimas horas palpitam nos corações dos dois. Eles querem voltar a ver-se. Combinam encontrar-se passados 6 meses, mesmo ali no local que agora pisam, desta vez em pleno Dezembro.

Em 2004 passa-se o outro filme, Antes do Anoitecer. Jesse está outra vez na Europa e Celine continua a viver em Paris. Passados 9 anos, os dois voltam a cruzar os seus caminhos. Jesse tornou-se escritor e apresenta um livro na cidade luz. Um livro em que fala de uma mulher, uma mulher talvez demasiado familiar a Celine. Os momentos que se seguem no filme são passados em tempo real, à semelhança de Antes do Amanhecer. Agora, homem e mulher, celebram o acaso do destino de se voltarem a ver. Não como tinham combinado, 6 meses, depois da primeira vez, mas 9 anos depois. Os dois falam de vidas, de sonhos, de paixões e de desilusões. Olham para o que tem acontecido nas suas vidas desde a última vez que se encontraram há 9 anos, em Viena. Discutem também sociedade e política. A vida trouxe a ambos novas experiências e novas perspectivas sobre o mundo à sua volta. Mas será que tudo mudou na vida dos dois? De que forma? Nas caras e nos discursos de cada um deles, há muito mais do que meras palavras. Para Jesse e Celine, o facto de estarem juntos outra vez é um acaso a que eles querem atribuir um sentido.
Estes dois filmes, realizados por Richard Linklater, descrevem o encantamento. A doce viagem de a pouco e pouco irmos gostando de outro ser ao ponto de só querermos estar ao seu lado. São filmes credíveis invadidos por sentimentos bons. Por mais que o tempo passe, a nossa essência perdura.

'15 filmes da minha vida' - Nº7 - O Lado Selvagem (2007)

O Lado Selvagem é a tradução portuguesa para Into the Wild. Ambos colocam a ideia de selvagem (ou wild) em foco. Neste filme, o selvagem refere-se ao que é primitivo, ao despojo das posses materiais e à liberdade.
Baseado numa história real, O Lado Selvagem conta a história de Chris McCandless, um rapaz de 20 anos que toma a corajosa decisão de iniciar uma viagem solitária rumo ao Alaska. Depois de finalizar a universidade, Chris segue à letra a sua determinação em lutar por um elevado estado de espírito. Começa por despir-se dos seus bens materiais. Ele rejeita o carro oferecido pelos seus pais, rasga os seus cartões de crédito e oferece todo o dinheiro que tem para caridade. Desiludido com os valores de ambição e conformismo social representados pelos pais, Chris, interpretado por Emile Hirsch, procura a sua própria realidade e o seu próprio eu numa odisseia de auto-descoberta que também trará a si e sua família, momentos dramáticos.
Este é um filme de viagens. Um dos aspectos que mais me fascinou quando o vi, é a sensação de nos perdermos e de nos encontrarmos com a personagem principal. Ao adoptar como espectadores o ponto de vista de Chris, estamos também a redescobrir-nos e a colocar questões a nós mesmos. Viveremos nós perto da nossa natureza e da nossa humanidade? Estará o estilo de vida actual a afastar-nos do que realmente nos interessa? O respeito pela natureza, pela família, pelo amor, pelas pessoas é alcançado na sociedade actual? O Lado Selvagem tem passagens lindíssimas, tanto a nível filosófico, como literário. A nível de cenários e de banda sonora.
Chris é um jovem humanista, determinado, profundo e com bom-humor. As pessoas com que se cruza ao longo do filme testemunham-no. Chris consegue emprestar a essas pessoas a sua profundidade de alma, a sua capacidade de empatia e o seu espírito de aventurança. A pureza das suas intenções é percebida por pessoas de idades diferentes em fases da vida distintas. É o verdadeiro espírito da juventude que este jovem representa quando percorre os Estados Unidos, quando entra no México e quando finalmente chega ao Alaska.
É lindo o sonho que alumia a tocha que é o coração de Chris. No fundo, a procura da sua individualidade. Uma odisseia que sempre trará momentos únicos: onde a solidão dura é reveladora e onde a beleza humana é divina.
Lado Selvagem é relaizado por Sean Pean e conta, além do actor principal e entre outros, com Marcia Gay Harden, William Hurt e Jena Malone. A música de Eddie Vedder acompanha maravilhosamente o filme.

'15 filmes da minha vida' - Nº8 - Duplo Amor (2008)

Como é que desejamos quem ainda não conhecemos bem? E em que medida reconhecemos quem desejamos? Todos nós somos muito mais no fundo do que aquilo que mostramos à superfície. Às vezes, e só às vezes, conseguimos ver uma brecha entre o muro que não raramente separa os nossos seres.
Duplo Amor é um filme de aproximações e distanciamentos. Leonard Kraditar (Joaquim Phoenix), é um homem na casa dos 30 que vive atormentado com os seus receios. Ele vive entre a angústia e a esperança. Até que alguém surge no prédio onde vive com os pais. Subitamente, Leonard sente a vitalidade a percorrer-lhe as artérias. Ele vive para a sua musa, que lhe deu novas alegrias e razões para respirar. O amor e a paixão curam tudo.
O enredo do filme é um triângulo composto por Leonard, pela filha de amigos dos pais, Sandra Cohen (Vinessa Shaw) e pela vizinha Michele Rausch (Gwyneth Paltrow). Entre distâncias que se encurtam e aumentam, estas três personagens revelam os seus desejos e contentamentos à medida que a história avança. As emoções e os sentimentos dos três são sempre sugeridos por pistas. Os sonhos que têm, as fragilidades que os acompanham, a boa vontade que possuem.
Em determinados momentos pensamos que agarrando-nos obsessivamente a alguém, tudo o que precisamos vem até nós. Mas a vida evolui ao nosso lado. Tudo o que se pode perder num dia é algo que se pode ganhar quando reconhecemos quem temos perto de nós.
Duplo Amor, do realizador James Gray, é um filme simples à primeira vista mas que se revela complexo à medida que mergulhamos no seu interior. Tal como nós próprios, criaturas seguras de tudo menos da nossa própria fragilidade.

'15 filmes da minha vida' - Nº9 - A Guerra do Fogo (1981)

Seria possível retratar a evolução da espécie humana através de filmes? Se sim, como saberíamos que a história e a imagem corresponderiam ao que realmente se passou? Como credibilizar um filme deste género? A resposta positiva está em “La Guerre du Feu”, um filme franco-canadiano do realizador de cinema de época Jean-Jacques Annaud (O Nome da Rosa).
Imaginem como seria a vida dos seres humanos há cerca de 80.000 mil anos. Que aspecto teriam estas pessoas? O que comeriam? Como comunicavam? As teorias comprovadas e por comprovar são-nos dadas pela mão de cientistas, antropólogos, arqueólogos, historiadores e outros. Também este filme nos abre uma janela no tempo e permite-nos que olhemos para uma teoria. Na minha opinião, credível e bem fundamentada. O planeta Terra era habitado por hominídeos sem roupa mas cobertos de pelo, sem abecedário mas com sons para comunicar. O Homem retratado neste filme é o homo sapiens, versão humana que também nos inclui, homens e mulheres do nosso tempo. Somos bem diferentes do que estes nosso antepassados, é certo. Fisicamente, emocionalmente, racionalmente e culturalmente. No entanto, já este Homem, há 80.000, estava capacitado com a possibilidade de aprender factos complexos. Tinha a possibilidade de transformar troncos de madeira em armas letais, pedras em objectos úteis e, a maior novidade da época: a capacidade de produzir e manejar o fogo. A chama que nos aquece e nos alimenta, e que hoje em dia damos como adquirida, era nesta altura, um desejo de sobrevivência e um motivo de competição. “Uma Questão de Fogo” é o título inglês traduzido à letra e na minha opinião expressa bem o que estava em causa nesta época distante. As tribos de homens que o possuíam e conseguiam controlar eram os que tinham mais hipóteses perante a natureza. Neste sentido poder-se-ia dizer: uma questão de fogo, uma questão de vida ou morte.
Este filme está soberbamente bem produzido (recebeu um Óscar pelo design de fatos) e conta com o fantástico desempenho, entre outros, de Everett McGill, Nameer El-Kadi e Ron Perlman (O Nome da Rosa). De alto valor histórico, esta aventura oferece-nos a oportunidade de olharmos para o homem primitivo bem de perto. Somos levados a assistir aos seus comportamentos sociais, aos seus hábitos sexuais, às suas guerras, à caça. Os homens retratados neste filme sonham com o fogo. Eles vão iniciar uma aventura que os vais transformar. A experiência do contacto e da aprendizagem é o elo que liga toda a humanidade e que ajuda a sentirmo-nos um pouco menos sós neste planeta que viaja pelo sistema solar há demasiado tempo para que a nossa razão possa compreender. Gosto de acreditar que o que se passa neste filme poderá ter sido exactamente assim. Porque o que está lá é humano, mesmo que há 80.000 anos.

'15 filmes da minha vida' - Nº10 - Beleza Americana (1999)

O trailer sugere-nos que olhemos mais de perto: “Look Closer”. Olhemos e não vejamos apenas. A vida de famílias de classe média americana é exposta no filme Beleza Americana e como se poderá depreender, o título é irónico. As pessoas nesta cidade vivem de forma fria. Vejamos as duas famílias do filme. Mas olhemos mais de perto. Na casa do lado direito vive um ex-coronel das forças armadas americanas de coração duro e de punho rápido. Sob sua alçada há um filho prometido que não cumpre aquilo que se esperava dele… Há ainda uma esposa e mãe, uma velha rainha triste. Na casa do lado esquerdo vive uma mulher de armas. Ela é exigente e bélica. Está ansiosa por chegar em primeiro lugar e não olha a meios para o conseguir. Atrás de si um homem dormente. Entre ambos uma menina desiludida mas com todos os sonhos do mundo.
O filme Beleza Americana podia passar-se noutros lugares do mundo. Muito provavelmente, numa outra urbe anónima ou distante. Não existe humanidade quando respiramos mas não somos capazes de sentir, quando andamos mas não conseguimos rir. Os homens e mulheres são como fortalezas invisíveis que resistem ao calor humano e à empatia, à intimidade e à solidariedade. Há no entanto os que não conseguem viver assim. Existe um longo e difícil caminho entre a superfície e o interior. Entre as aparências e a autenticidade. E por isso muita coisa se vai desconstruir nesta história.
Beleza Americana conta com Kevin Spacey no principal papel. Ele faz de Lester Burnham, o tal homem dormente que um dia resolve começar a arriscar… Lester é também o narrador e grande parte da história é contada sob a sua perspectiva. A propósito, Alan Ball é o argumentista, o senhor que escreveu também uma das séries de que mais aprecio, Sete Palmos de Terra. A banda sonora é um dos pontos altos do filme. Thomas Newman ajuda, e de que maneira, a que as emoções e sentimentos da narrativa sejam transmitidos ainda com mais veracidade.

'15 filmes da minha vida' - Nº11 - Gladiador (2000)

“Strenght and hounour”. Força e honra como bandeiras de um homem, de uma legião romana, de um grupo de escravos gladiadores. Gladiador é um filme de época que retrata o império romano por volta do ano 180. A fase da História situa-se nas conquistas do norte da Europa, no reinado de Marco Aurélio e na sucessão polémica de Cómodo, filho do primeiro. Com Marco Aurélio, Roma vivia um período de prosperidade, com Cómodo deu-se inicio a uma fase de declínio civilizacional. Em Gladiador podemos assistir a todo o espectáculo do espírito do império, nomeadamente na magnificência das conquistas expansionistas, na vida social e política e por fim na construção de edifícios grandiosos como o coliseu. É neste magnifico anfiteatro que se passam as decisivas cenas deste filme. Assistimos às lutas de escravos gladiadores, à luta destes com animais exóticos por estas paragens como o tigre e finalmente à maior disputa de todas: entre um homem proveniente da Hispânia, um honroso e forte ex-general do exército romano e Cómodo, um imperador paranóico, vingativo e inseguro.
A história inspira aos grandes valores de vida, à ética, à lealdade e à perseverança. Maximus, representado pelo fabuloso Russel Crowe, é um líder autêntico, tanto na frente de uma batalha com os bárbaros, como liderando um grupo de escravos-gladiadores com poucas perspectivas em relação à vida. Maximus é a tal força e honra, o homem que um dia havia sido o braço direito de Marco Aurélio, pai de Cómodo (Joaquim Phoenix). É esta relação estreita e a perspectiva de poder que motiva o ressentido filho de Marco Aurélio a iniciar uma jornada de vingança e de usurpação pelo que o pai havia construído pelo império.
Gosto muito deste filme que nos cola ao ecrã pela sua intensidade na narração. Um bom exemplo é a tensão vivida entre Cómodo e Lucilla (representada pela bonita Connie Nielsen), a irmã do imperador. Gosto ainda do filme pelas magníficas imagens de Roma clássica conseguidas pelos fantásticos efeitos especiais. Gladiador, do realizador Ridley Scott, é um épico que nos permite visitar o espírito da humanidade neste momento da história, na sua dignidade mas também na sua opulência.

'15 filmes da minha vida' - Nº12 - O Nome da Rosa (1986)

Todos os filmes de qualidade têm uma trama que por si só revela a densidade e o interesse que uma história pode ter para o espectador. Adicionalmente, este tipo de filmes trás consigo o retracto de uma época, ou seja, dizem-nos como as pessoas pensam e como se comportam em determinada época da história.
O Nome da Rosa, um filme de Jean-Jacques Annaud, com Sean Connery, F. Murray Abraham e Christian Slater (salvo erro, no seu primeiro papel de cinema), é um filme desses, hipnotizante na trama e rigoroso no retracto histórico.
O enredo passa-se num mosteiro da Europa algures no século XIV. Este mosteiro é habitado por monges que reclamam para si toda a higiene moral do mundo, sendo no entanto traídos por muitas das suas acções. As personagens são quase todas estranhas. O aspecto físico é quase sempre deplorável. William of Barkersville (Sean Connery) chega acompanhado ao mosteiro pelo seu protegido (Christian Slatter) e depara-se com um clima obscuro e de desconfiança. Vários crimes ocorrem e William prontifica-se a ajudar a resolver este mistério que interfere na vida no mosteiro. Os modos e mentalidade de William contrastam com a moral e pensamento dos monges residentes. Ele é um humanista e um racionalista tocado pelas forças do amor. Por outro lado os outros monges olham o prazer e a alegria como sendo tentações pecaminosas. É esta perspectiva dualista que influencia todos os acontecimentos que decorrem neste mosteiro escuro, frio e sinistro. A santa inquisição faz também a sua aparição neste filme. Ela é o juiz implacável que varre da superfície da terra todos aqueles que colocam em questão a sua verdade. A verdade de Deus? Que Deus é esse?
Este filme faz a separação entre a verdade de certos homens e a verdade do mundo, da natureza e, porque não dizê-lo de Deus. Talvez Deus seja só um mas ele pode, de certeza, ser aquilo que o Homem queira que ele seja. Para o bem e para o mal, como se vê nesta história.
Gostei imenso do realismo intencional do filme, como atrás referi. Ele é uma fantástica referência à inquisição, à idade média, ao pensamento religioso, à inteligência e ao espírito humanista.

'15 filmes da minha vida' - Nº13 - Mystic River (2003)

Há relativamente pouco tempo conheci Clint Eastwood como realizador. Para trás, apenas tinha a imagem do cowboy implacável alternando com o policia indestrutível. Não que eu os conhecesse a fundo, o que se passou foi que eu e Clint Eastwood ainda não tínhamos sido apresentados. Clint é um artista de coração duro mas doce. Cada vez que vejo um dos seus filmes, como o qual que hoje vou falar, é como se sofresse um murro do estômago. Sim, a violência física sente-se depois de ver uma filme como Mystic River.
As histórias de sentimentos são tão válidas para a alegria como para a tristeza. De preferência, as melhores narrativas contêm nelas o bom e o mau da natureza humana, almas que tanto são capazes da vingança como do perdão. Porque ambos os comportamentos são humanos. Mystic River revela momentos de grandeza no mais pequeno gesto intimo como momentos de fragilidade na maior aparente demonstração de força.
A história testemunha as consequências de uma juventude povoada de fantasmas e de traumas. Tim Robbins, faz o papel de um homem atormentado por um abuso sofrido em criança. Um homem que convive com lobos e que nunca deixou completamente a floresta para onde foi enviado em pequeno. Sean Penn e Kevin Bacon dão corpo e alma aos outros dois amigos que haviam brincado juntos em crianças e que pelas circuntancias trágicas da vida se voltariam a encontrar já em adultos. Na atualidade eles já não são os meninos que outrora foram. Agora têm famílias que têm que cuidar, têm relações pelas quais têm de lutar. São os laços de sangue brutalmente quebrados que vão trazer à superfície o que cada um deles carrega no seu interior: as forças, as fraquezas, o desespero e a esperança.
O filme tem um enrendo que pôe a descoberto os seus segredos à medida que o tempo passa. As deixas proferidas pelas personagens são fortes e carregadas de intenção. No registo sonoro existe dramatismo mas também delicadeza. A imagem surge-nos carregada, escura e envolta em mistério.
Mystic River é uma história de crime e sonhos desfeitos. É uma história de amizade e de juventude. De laços ténues e de laços que resistem. Com o Rio Mystic a ver...

'15 filmes da minha vida' - Nº14 - Match Point (2005)

"The man who said: 'i'd rather be lucky than good in life' saw deep in life". O excerto refere-se a uma frase proferida por Chris Wilton, umas das personagens principais de Match Point. Woody Allen é um escritor e um realizador experiente. Faz filmes há décadas e o tema é recorrente: as relações humanas. Não sendo um especialista no autor, li na altura que este filme era de alguma forma uma mudança grande na sua obra. De amores obsessivos e questões existenciais sob a forma de comportamentos neuróticos, Woody Allen apresentáva-nos em 2005 um filme negro, trágico e muito menos divertido do que os anteriores. Diz quem conhece bem o seu trabalho, e eu que conheço alguma coisa, que este filme não deixa de ter qualidade devido à constatação atrás realizada. Antes pelo contrário.
Match Point interessa-me porque nos envolve num enredo onde a natureza humana se despe para nos deixar ver o seu pior e o seu melhor. A história, como o excerto que aqui deixei na primeira linha deste texto testemunha, deambula pelo papel que a sorte tem nas vidas de um ser humano. Usamos a lógica e um código de valores para nos guiarmos no mundo mas muitas vezes é a sorte que define o próximo passo da nossa realidade.
Chris Wilton é um professor de ténis que de forma muito rápida se encontra prestes a entrar no mundo da alta sociedade. Mais do que isso, ele está prestes a entra no circulo de confiança da familia. Ele é subitamente um homem dividido entre o materialismo e o amor. Entre a estabilidade e a paixão. Numa trama complexa, este homem vive um autêntico conflito psicológico. É um mentiroso implacável mas que sabe estar à altura das exigências do mundo à sua volta. Vive ao sabor das paixões e confiando na sorte. Nada é ilegitimo e tudo é possivel. Em última análise ele prefere ter sorte do que ser um homem bom.
Este é um filme imprevisivel e por isso gosto dele. Os homens e as mulheres deste mundo agem muitas vezes por razões que se mantém à tona da realidade mas também muitas vezes por razões que são subterrâneas e muito dificeis de identificar.
A ópera, elegante e trágica, é o acompanhamento musical perfeito para esta história. A nivel visual, o filme tem muito bom gosto na forma como é filmado e os atores são impressionantes.

'15 filmes da minha vida' - Nº15 - Apocalypse Now (1979)

Com este texto, inauguro a rúbrica 'Filmes da minha vida'. Cinco eram poucos, trinta eram talvez demais. Ficámos então pela metade e escolhemos fantásticos quinze filmes que nos marcaram até hoje. Pela mensagem, pelas imagens ou pelos atores. Sobretudo, são filmes que entraram nos nossos espiritos e por cá ficaram.

Número quinze: Apocalypse Now. Uma história de guerra focada no Vietnam. Confesso que não costumo ver filmes de guerra embora tenha gostado de quase todos os que vi. Este, de Francis Ford Coppola, é grande na duração e grandioso no conteúdo. É um filme-viagem. Uma psicadélica e filosófica travessia de um pequeno barco, que serpenteia através de um rio invasor do Vietnam e do Cambodja. Marteen Sheen é o Capitão Willard e o narrador deste filme. Com ele, assistimos às contradições e ironias de uma guerra bélica e politica. Um exemplo refletido no pensamento de Willard: "acusarem alguém de assassinio no Vietnam é o mesmo que multarem um condutor nas corridas de Indianápolis por ter conduzido em excesso de velocidade". A natureza do filme transmite muito bem a confusão e a loucura da guerra do Vietnam. Miúdos que são enviados para uma guerra perdida, oficiais que invadem vilas de civis e matam indiscriminadamente ao som de 'Ride of the Valkyries' de Wagner, o mesmo oficial que surfa as ondas de uma praia em permanente tiroteio, playmates perdidas nos labirintos das mentes de soldados à deriva em plena guerra.
Testemunhando todas estas ações, Willard caminha focado na sua grande missão: eliminar o Coronel Kurtz, um veterano exemplar para o exército americano mas que é agora rotulado de louco e traidor pela sua mãe-pátria. Kurtz, é o exemplo de quem foi completamente transtornado pelas atrocidades, mentiras e ironias vividas numa guerra como esta. Kurtz é hipnótico. A menção do seu nome provoca medo e ao mesmo tempo admiração, para o Capitão Willard e também para mim, como espetador. O Coronel tornou-se num espirito pagão que quebrou os laços com a sociedade e se tornou um virus para o sistema. A sua raiva é tal que a certa altura ele recita a seguinte mensagem contra o seu próprio exército num dos seus poemas: 'treinamos jovens para lançar fogo sobre pessoas mas os seus comandantes não os deixam escrever FODA-SE nos seus aviões porque... é obsceno'. Kurtz está desiludido e considera que pouco tem a fazer neste mundo que agora desdenha.
A banda sonora do filme conta com algumas das grandes bandas e artistas que hoje tanto apreciamos: The Doors, Rolling Stones, Creedence Clearwater Revival ou Jimy Hendrix. É um filme provocador, que questiona a sociedade e a politica como os atores e criadores da guerra, que questiona os valores (ou falta deles) que nela imperam, que questiona os métodos utilizados pelos comandantes no Vietnam. Acima de tudo, o filme não tem problema algum em remexer na consciência e moral do ser humano. Estes são os anos 70, tempos de guerra, tempos de paz, de poesia e de viagens alucinantes.

Stone (2010)

Stone. Em inglês, pedra. Algo duro, frio e muitas vezes estático. O filme que vi na última quarta-feira é perturbante mas ao mesmo tempo libertador. O tema principal é o pecado, as suas consequências e a forma como vivemos para nos libertarmos do seu peso. É inevitável falar do filme e colocar várias perguntas, muitas delas sem resposta. Mas tudo bem. Há algo de tranquilizador em sentirmos que estamos a colocar as questões certas a nós mesmos.
Estaremos condenados a pecar? Pecamos porque nascemos com uma natureza pecadora ou pecamos e tornamo-nos inevitavelmente pecadores? Estará o conceito de pecado unicamente ligado à religião? Ou transportamos em nós, como Homens livres, a noção inata do que é o mal e o bem? Sim, muitas perguntas mas todas elas úteis para discutir.
A nossa relação connosco próprios, com os outros que nos são próximos e com a sociedade é definida pela forma como somos verdadeiros com o nosso eu. Aceitarmo-nos, na nossa condição de individuos capazes de fazer o mal e de fazer o bem, é o primeiro passo para a honestidade, para a plena absorção do mundo. Este filme é subtil e retrata as diferenças entre sermos verdadeiros e vivos e entre sermos pedras, frias e tristes. Ouçam e vejam esta história. Com promenor e com disponibilidade.
Gostei da realização do filme. Para mim, dá ênfase às emoções que trasparecem constantemente dos corpos e faces das personagens. A banda sonora é orgânica, cresce e desaparece com o que se vai passando no ecrã. O realizador é John Curran (realizador de 'Véu Pintado') e a longa metragem tem no elenco os excelentes Robert De Niro, Edward Norton e Milla Jovovich.

Jogo Limpo (Fair Game) (2010)

Jogo limpo é um filme com algum teor político. Reflexo do que se pode passar, e passa certamente, nos bastidores dos políticos que nós vemos diariamente na Televisão.

Este filme é baseado numa história verídica, reporta ao ano de 2001, ao ataque do 11 de Setembro, e as reacções da Casa Branca a esse ataque, nos anos subsequentes.
Para a maior potência do mundo, assim como para todo o planeta, este ataque foi um sinal de que ninguém é imune à guerra.

A guerra que pode ser fundamentalista, pode ser moderada e ter alguma razão de existir para procurar a paz ou pode-se tratar apenas de conveniência e imagem politicas.

Valerie Plame (Naomi Watts) é uma agente secreta da CIA que é envolvia nas investigações da Al-Qaeda e procura por todo o mundo ligações que possam conduzir ao terrorismo e que possam ser apanhadas algumas das “cartas” do baralho de Sadam.

Não suas investigações, são feitas descobertas que levantam suspeitas de ligações entre a Al-Qaeda e países africanos, no fornecimento de materiais bélicos ao Iraque. Entretanto nada se consegue provar. Pelo contrário, aquelas provas que pareciam ser ameaças foram refutadas.

Entretanto a passividade de decisões politicas de Bush perante a comunidade dos Estados Unidos e do mundo, a falta de provas, a necessidade de apresentar resultados anti-terrorismo e justificações para a invasão do Iraque, levam a que o poder politico passe por cima da ética profissional da agente secreta Valerie Plame e transforme a mentira em verdades.

O acesso a ficheiros secretos do passado e a falsificação de documentos, comprometem a personagem principal e põe em causa a sua carreira e identidade. Esta apercebe-se que as suas várias tentativas de provar a sua inocência e lealdade e salvar vidas em risco só levam a que seja cilindrada pela casa Branca, perante a comunicação social com mentiras atrás de mentiras que põe em risco a sua vida e da sua família.

O marido Joe (Sean Pen) , embaixador dos EUA, também caluniado politica e socialmente, tenta a todo o custo limpar a sua imagem e da mulher, através de programas de televisão e palestras em faculdades, mas acaba por perceber o que a mulher já tinha percebido: Não há forma de 2 comuns cidadãos (ainda com algum poder), irem contra o Pentágono e a Casa Branca. São simplesmente os lugares mais poderosos da terra onde a ética, os valores e as vidas humanas são atropeladas por valores políticos e de imagem social.

Será que alguma vez isto irá mudar? A história é real, e termina com a verdadeira e real protagonista da história ( a verdadeira agente secreta da CIA) a fazer um depoimento em tribunal, da sua lealdade perante a corrupção que existe na Casa Branca.

Cada frase de um político é profícua em mensagens directas e indirectas. Eles querem a todo o custo manter a sua imagem… como combater a corrupção dos poderosos? É esta a questão que fica no final do filme.

Por detraz dos bastidores do poder! vejam...

Ondine - 2010

As histórias de pescadores são das mais interessantes que podem haver. São sempre habitadas pela imensidão do mar e por criaturas misteriosas ou perigosas. O oceano inspira-nos e faz-nos sonhar mas também nos assusta e nos coloca no nosso pequeno lugar terreno. Todos estes elementos são os melhores ingredientes para se gostar de uma história de mar. Ondine, o filme do realizador Neil Jordan com os actores principais Colin Farrel e Alicja Bachleda-Curuś, é um desses casos. Antes de ver o filme, senti-me seduzido pelas imagens presentes no cartaz: as cores húmidas e enubladas das paisagens, o olhar longo do pescador e os traços endeusados da mulher que podia ser muito bem uma ondine, uma selkie, ou uma sereia… Os nomes referem-se a personagens mitológicas, criadas pelos humanos para representarem os seus sonhos e as fatalidades da sua condição mundana. Ondine é uma mulher-deusa que vive no mar e que amaldiçoa o seu marido infiel. Ela ganhará uma alma casando com um homem em terra e sendo a mãe do seu filho. O homem em terra é o pescador, esse ser solitário que conta os seus segredos e desejos à imensidão do oceano. A verdade não é aquilo que conhecemos, é aquilo em que acreditamos.

Um Lugar Para Viver - 2009 (Sam Mendes)

O último filme que vi no cinema foi 'Um Lugar Para Viver'. O filme é de Sam Mendes, o luso americano que filmou 'American Beauty' e 'Revolutionary Road', dois murros no peito que nos deixam atordoados por muito e muito tempo depois de abandonarmos o local de visualização. Neste 'Um Lugar Para Viver' o drama e o exestencialismo existem, mas o ritmo da história e as próprias personagens representam muito bem o positivismo e a leveza que se pode ter ao abordarmos assuntos importantes.

Falo na parentalidade e em ter filhos, temas que requerem atitudes e comportamentos de preocupação mas que, naturalmente, envolvem acima de tudo optimismo e alegria. O filme retrata assim as formas de educar, as preocupações sensatas e não sensatas, os projectos de vida, a decisão sobre o que realmente importa na vida. Digamos que 'Um Lugar Para Viver' significa também a procura para estar bem no mundo,como uma familia, como mãe e como pai.

Gostei muito do casal que personifica o espirito do filme, ele, um actual namorado, divertido e dedicado futuro pai. Ela, aparentemente despreocupada, sensivel e dedicada futura mãe. Pelas várias cenas ao longo do filme, algumas pérolas de humor com situações caricatas e personagens curiosas (não necessariamente no bom sentido...).